Archivo de la etiqueta: pintura

Joseph Adolphe se mudó a la ciudad de Nueva York en 1992 para asistir a la Escuela de Artes Visuales  donde recibió su MFA en 1994. Ha recibido varios premios por su arte, incluido el primer lugar en el concurso «Figura ahora 2010» en la Universidad de Fontbonne en St. Louis, Missouri. Su trabajo ha sido presentado en más de cuarenta exposiciones desde 1998 en todo Estados Unidos e internacionalmente. Ahora vive con su esposa e hijos en New Haven, Connecticut, y es profesor de Bellas Artes en la Universidad de St. John  en Nueva York.

Las pinturas al óleo de Joseph Adolphe representan incertidumbre, ansiedad y vulnerabilidad en la actualidad. Ya sea que sean derrotados combatientes, bestias ágiles o niños inocentes, sus súbditos parecen agobiados por el conflicto y el peso del mundo. No obstante, son personajes fuertes y resistentes, ya que su confianza y valentía le dan a las pinturas un optimismo innegable incluso cuando el tema es oscuro. «Toro Bravo», la primera exposición individual de Adolphe en BDG fue un éxito rotundo. En el verano de 2012, su pintura, Mars No. 1, fue elegida para la portada del Anual Internacional de Pintura de la Galería Manifiesto, y Joseph Adolphe y su trabajo aparecerán en el próximo documental, HEAVYWEIGHTPAINT. Las pinturas de Joseph Adolphe se encuentran en muchas colecciones privadas y corporativas en los EE. UU. Y en el extranjero

PREMIOS Y HONORES
2014 Conferenciante principal, Simposio internacional sobre diplomacia cultural, Naciones Unidas, NY. 2011 ManifestGallery.org, INPA2, International Painting Annual 2. Finalista. Elegido para la imagen de portada.
2011 ManifestGallery.org, INDA6, International Drawing Annual 6. Dos dibujos a gran escala seleccionados.
2010 Ganador del 1er lugar, The Figure Now 2010, International Juried Exhibition, Fontbonne University, St. Louis, Missouri. «Una exposición internacional con jurado, que reconsidera los enfoques tradicionales y contemporáneos de la figura.
2009 Studio Visit Magazine, volumen ocho y volumen nueve. Publicación con jurado.
1998 Elizabeth Greenshields Foundation Grant.
1992 School of Visual Arts, New York, NY, MFA Program, Beca Académica Completa

EXPOSICIONES INDIVIDUALES SELECCIONADAS
Galería Bertrand Delacroix 2014, Nuevas pinturas, Nueva York, Nueva York
Galería Bertrand Delacroix 2012, Toro Bravo, Obra reciente, Nueva York, Nueva York 2011 Galería Kehler Liddell, Nuevas pinturas, New Haven, Connecticut
2010 Galería West Rock, Pinturas de Italia, New Haven, Connecticut
2009 Kehler Liddell Gallery, Affinities, New Haven, Connecticut
2008 Kehler Liddell Gallery, Deconstruction & Resurrection, New Haven, Connecticut 2005 Galerie Françoise, New Works: Figures, Baltimore, Maryland
2003 Galerie Françoise, Joseph Adolphe: Urban Landscapes, Baltimore, Maryland 2003 Gallery 119, Joseph Adolphe: Urban Landscapes: Brooklyn & Rome, Jackson, Mississippi
2003 The Object Image Gallery, New Paintings, Brooklyn, Nueva York
2002 The Late Show, Rome: Paintings from the Eternal City, Kansas City, Missouri
2002 Pulmone Pulsante, Joseph Adolphe: Drawings 1993–2002, Rome, Italy
2002 The Late Show, Urban Landscapes-Brooklyn, Kansas City, Missouri
2002 North 6th Gallery , Joseph Adolphe: Drawings and Paintings, Brooklyn, Nueva York 2001 Bogigian Gallery, Joseph Adolphe: Paintings, Chambersburg, Pennsylvania

EXPOSICIÓN DE GRUPO SELECCIONADO
2014 New Zones Gallery, G’ddy Up !, Calgary, Canadá 2014 Axelle Gallery, Winter Collective, Boston, MAMÁ. 2013 The Art Directors Club, Round ZERO, NYC 2012 Bertrand Delacroix Gallery, NYC
2011 Jonathan Frost Gallery, New Artists Showcase, Rockland, Maine
2011 Norwalk College Gallery, Zoology 101, Norwalk, Connecticut
2010 A-Space Gallery @ West Cove Studios, Large Works Show, West Haven, Connecticut 2010 Fontbonne University Fine Arts Gallery, Figure Now, St. Louis, Missouri
2010 Kehler Liddell Gallery, Size Matters, New Haven, Connecticut
2009 Paper New England, Go Figure, Newspace Gallery, Manchester, Connecticut
2009 Paper New England, Current Connecticut, Artspace, Hartford, Connecticut
2009 Ct. Com. on Culture & Tourism, Touring Connecticut, CCCT Gallery, Hartford, Connecticut
2008 Kehler Liddell Gallery, Change, New Haven, Connecticut
2005 Delgado-Tomei Gallery, Figuratively Speaking, Brooklyn, New York
2005 NY Law School, Imprimir: OIA Group Show, Nuevo York, Nueva York
2004-5 Manhattan Graphics, Touring Group Show: monoimpresiones, en toda la India

2003-5 Conversaciones, Exposición colectiva itinerante, Comienzo en Baltimore, Maryland
2004 Evergreen House, Universidad Johns Hopkins, Baltimore, Maryland. 2 de octubre al 23 de enero 

2004 Delaware Center for Contemporary Arts, Wilmington, Delaware. 6 de febrero al 23 de mayo 

2004 Universidad de Hartford, West Hartford, Connecticut. 15 de julio a agosto 20
2003 Galerie Françoise, Summer Group Show, Baltimore, Maryland
2002 The Object Image Gallery, Brooklyn Artists, Brooklyn, New York Gallery 2002 119, The Self Portraits Show, Jackson, Mississippi

FERIAS DE ARTE
2014 ArtMRKT SAN FRANCISCO, Stephanie Breitbard Fine Art, San Francisco, CA. 2014 Dallas Art Fair, Newzones Gallery, Canadá,
2014 Miami International Art Fair, Bertrand Delacroix Gallery, Nueva York.
2014 Feria de Arte Contemporáneo ArtPalmBeach, Galería Bertrand Delacroix, Nueva York. 2013 Red Dot Art Fair, Miami, Bertrand Delacroix Gallery, NYC

TEACHING
2000-Profesor actual de arte, Departamento de Arte y Diseño, St. John’s University, NYC

 

PRENSA
Rae, Haniya, «Heavyweight Paint», Guernica Magazine, 26 de junio de 2013, Documental 2010-2014, Heavyweightpaint. www.Heavyweightpaint.com
PoetsArtists, Joseph Adolphe, número 40, noviembre de 2012, págs., 8-10
Sepulvida, David, Westville Painter hace el corte «Heavyweight», The New Haven, Advocate, 4 de junio de 2012. Versión web:
The Coffin Factory, Shelter, Paintings by Joseph Adolphe Issue 3, pgs 43 y 46
Sepulvida, David, New Haven, Independiente, «Open Studios Meets Westville Renaissance», 15 de octubre de 2010. Sección de Artes.
Hoffman, Hank, A Continuum of Gesture, The New Haven Advocate Pg. 35, 7–13 de enero de 2010
Catlin, Roger The State Through Artists ‘Eyes, The HartfordCourant, sección Art Week, pág. 12, 6 de noviembre de 2008
Duran, Elvira J. Elección de la crítica, Todos necesitamos un poco, New Haven Magazine, pág. 38, octubre de 2008
City Wide Open Studios Catalog, 2008–2009 Artists Directory, pág. 159
Glaser, Brian Visual Arts Journal, School of Visual Arts Magazine, Alumni Exhibitions, Nueva York, NY, Volumen 16, Número 2, pág. 90, 92.
Birke, Judy Dos artistas, dos enfoques hacen un buen espectáculo en Kehler Liddell, New Haven Register & (NewHAvenRegister.com), Sección E pg.1–2, 3 de febrero de 2008
Duran, Elvira J. Joseph Adolphe en La Galería Kehler Liddell, New Haven Magazine, pág.
48–49 , enero de 2008 Kobasa, Stephen, V. Painting Thick, The New Haven Advocate, pág. 39, 14 y 20 de febrero, edición de 2008.
Hoffman, Hank Más que rascar la superficie, ctartscene.blogspot.com, Connecticut Art Scene: Dedicado a cubrir la comunidad de artes visuales en Connecticut, jueves 21 de febrero de 2008
Art in America, (agosto de 2004). «Guía anual de museos, galerías, artistas», pág. 15 (2665)
“Ganadores de premios honrados” (noviembre de 2003) Charities USA, New York p. 26
Chalkley, Tom, (12/10/03) “Dialogue Boxes” City Paper, The Arts Section, Baltimore, MD.
Benoit, Julie, (noviembre de 2003). «Conversaciones: influencia y colaboración en el arte contemporáneo», Radar 8, Baltimore Arts & Culture, p. 22
Giuliano, Mike, (20 de julio de 2003). «Dos galerías ofrecen dos tomas del mundo», The Messenger, p.11
M.FA Alumni, «Illustration as Visual Journalism», School of Visual Arts Films, Documentary Video
Modenstein, SA (2003, primavera). «The Magazine Rack, Alumni Notes» Visual Arts Journal, p.42 y 46
Brown, Kenneth (2003, 10 de marzo). «Nuevo escaparate para el artista canadiense» Park Slope Courier, vol. XXV No. 10, pág. 4
Hackman, Kate. (2002, noviembre / diciembre) «Eterno / Glorioso». Revisión, p. 14
Barnaba, S. (2002, junio). «Citta e dintorni». La Repubblica Trova Roma, p. 9.
Sacca, Annalisa. (2002, junio). «Joe Adolphe: Disegni-Sulla Soglia Dello Sguardo». Ilfilorosso 32, p. 57.
Selvaggi, Giuseppe. (2002, 22 de junio). «La rivolta di Narciso». Il Giornale D’Italia, p.14. Hackman, Kate. (2002, mayo / junio). «Joe Adolphe en el Late Show». Review, p. 18.
Johnson, Dustin. (2002, julio / agosto). «Habitaciones con vistas familiares». Revisión, p. sesenta y cinco
Miller, Joe (2002, 23-29 de mayo). «Pinturas de Joe Adolphe». Pitch Weekly p. 24
«Need a Art Fix: The Late Show Provides» (25 de mayo de 2002). The Kansas City Star sección F, pág. 7
Grapa, Capricho. (14 de junio de 2002). «Un artista ha crecido en Brooklyn». The Kansas City Star sección F, pág. 33
Lucas, Jerez. (2002, 24 de marzo). «Autorretrato». The Clarion Ledger sección F, pág. 5. «Exposición Adolphe en la Galería Bogigian» (9de febrero de 2001) The Wilson Billboard, pág. 3 «Artista de Nueva York en Wilson» (marzo de 2001) The Chambersburg Gazette, pág. C3

Como todo lenguaje, el fotográfico tiene un carácter cultural, es un medio de comunicación
y puede transformarse en una forma de expresión artística. Se aprende
a tomar fotografías ejercitando la capacidad de observación, estudiando e interactuando
con la cámara, ensayando y experimentando formas de mirar la realidad. Se
aprende también de las mismas fotografías, aquellas cientos o miles de imágenes con
las que convivimos día a día. Al igual como ocurre con el lenguaje verbal, el lenguaje
de las imágenes se perfecciona a medida que adquirimos conocimientos teóricos y
técnicos que permiten al comunicador intencionar los resultados de acuerdo a los
objetivos esperados.

En el caso de la fotografía, el conocimiento del manejo de los procedimientos de captura
de la luz y la dimensión significativa de sus efectos es esencial, ya que sus principios
técnicos y artísticos están basados en su acción, como bien lo indica el origen etimológico
del término phòsgraf, grabar con luz.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Actualmente se prefieren las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador quedan dirigidos por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

Art New York announced that the Joe Namath Foundation and the Hope for Depression Research Foundation will be co-beneficiaries of the prestigious art fair’s VIP Preview on May 3, 2018 from 2-5pm at Pier 94, located at 711 12th Avenue in New York, New York 10019.

 

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“We are honored to have both prestigious foundations as co-beneficiaries of our Art New York fair. It is a privilege for the fair to be able to support great foundations that encourage understanding of the brain and the mind. Over the years I have had the privilege to witness firsthand the passion and energy that both Mrs. Gruss, Mr. Namath and their supporters bring to each of their respective important causes and the arts. Combined they are a very powerful team. Art New York looks forward to helping them tackle two of the most important issues facing every demographic and generation of our society,” said Nick Korniloff, Founder/Director, Art New York.

 

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The subject matter of many artists over the past six decades, Pro Football Hall of Fame Quarterback, Super Bowl III MVP Joe Namath will return to the greatest city for the arts. His mission is to create awareness and raise funds for his newly formed namesake foundation. Joe Namath comments, “I am thrilled to be a part of Art New York. Having played with the New York Jets for many years, the city holds a special place in my heart. I am so happy to be here raising awareness of the causes that mean the most to me, through art, which I am very passionate about. I have no doubt that this will be a very special evening.”

 

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Philanthropist and avid art collector Audrey Gruss founded the Hope for Depression Research Foundation in 2006 in memory of her mother Hope who suffered from clinical depression. HDRF is now the leading non-profit dedicated solely to advanced depression research with every dollar raised going directly to research.

 

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Audrey Gruss comments, “It is an honor for Hope for Depression Research Foundation to be the co-beneficiary of Art New York as so many creative people have fought with depression both publicly and privately. From Vincent van Gogh to Jackson Pollack, it is well documented that artists from different eras and backgrounds have struggled with mental health issues. We are grateful to Nick Korniloff and his team for helping us shine a light on this extremely prevalent cause.”

‘‘Uruguayidad”, identificación con lo uruguayo, palabra o uso del español que se habla en Uruguay.
¿Existen elementos culturales que caracterizan al Uruguay? ¿Estos componentes se diferencian de la cultura latina o de la global? ¿Podemos encontrar particularidades culturales en la producción artística uruguaya contemporánea?La República Oriental del Uruguay, geográficamente situada entre dos gigantes, desde su conformación como estado moderno, a fines del siglo XIX, se imaginó diferente del resto del continente. Para eso creó grandes mitos que lo definían en forma singular, como el de una sociedad hiperintegrada, sin conflictos raciales o religiosos, modélicos en su sistema político partidocrático y prósperos en su economía.

La aplicación de políticas sociales avanzadas marcó esa diferencia durante medio siglo, caracterizando a ese pequeño territorio como la Suiza de América o el país de la clase media.
Pero la fragilidad económica y la dependencia regional definieron otra realidad.

El presente proyecto curatorial, dentro de sus límites espaciales, tiene como objetivo señalar, a través de la obra de cuatro artistas fundamentales en la escena artística uruguaya actual, como esos elementos culturales diferenciados, que definen y delinean esa escena, son vehiculados.

En ese sentido, las obras de Martín Sastre y Pablo Conde abordan, con elementos formales y narrativos propios, el gran mito fundador e identitario del deporte nacional, el fútbol, que en el caso uruguayo trasciende el concepto mismo de deporte y se proyecta como un elemento cultural que resume de forma mítica esa excepcionalidad oriental.

Por otro lado Pablo Uribe, presenta una obra, realizada en su totalidad en Lima, donde la tradición abstracta uruguaya y los mitos que constituyen un relato formal del arte uruguayo son puestos en duda. En el proyecto limeño el artista trabajará con obras emblemáticas del la abstracción geométrica peruana.

Por último Paola Monzillo realiza una síntesis formal y narrativa entre estilos decorativos amerindios y proyectos urbanos hispánicos. Así en su trama urbano-decorativa, se conforma una obra donde narración y forma, identidad y cultura se confunden.

Artistas:
Martín Sastre / Pablo Conde / Pablo Uribe / Paola Monzillo


Actividades:

. Conferencia a cargo de los artistas participantes y el curador.
Mie 9 de Ago. 7 pm.
Ingreso libre.

. Visitas guiadas realizada por niños guías del colegio I.E. 7032 Virgen del Pilar de Barranco.
Dom 27 Ago. 4 a 6 pm.
Dom 15 Oct. 4 a 6 pm.
Ingreso con el pago de entrada.


Visitas guiadas:

Dirigido a público en general.
Jue 14 y Sab 9 Sep.
Jue 12 y Sab 7 Oct.
Jue 16 y Sab 11 Nov.

Horario: 4 a 6 pm.
Ingreso con el pago de entrada.

Mediante la vaguedad conceptual y los medios gráficos, Nicolas Franco aborda en Primeras Letras, la trágica figura del “Chacal” de Nahueltoro, el tristemente célebre asesino que recordamos en la encarnación notable de Nelson Villagra en la película de Miguel Littin. Valenzuela fue un campesino que pasó a la historia por asesinar brutalmente a su mujer y a sus cinco hijos en la localidad de Nahueltoro. Luego de ser encarcelado vivió una suerte de transformación donde aprendió a leer y a escribir antes de ser ejecutado.

 

El epicentro de la instalación lo conforman dos cartas escritas de puño y letra por Valenzuela durante su reclusión en la cárcel de Chillan. Una carta dirigida al entonces presidente Jorge Alessandri y la otra, escrita un día antes de su ejecución, dirigida a su madre. Inimaginable: su prosa poética, aunque llena de faltas de ortografía y sobre una hoja de cuaderno de escuela primaria, refleja esos residuos de bien, de anhelos de redención que guarda todo ser humano. Estos dos documentos interactúan con una serie de fotografías anónimas provenientes del acervo del Museo Histórico Nacional; institución que las etiqueta bajo la categoría genérica de “Vistas regionales no urbanas”. Un rótulo tan amplio como una fosa común.

 

Estos dos cuerpos históricos funcionan como antecedentes para plantear una suerte de recomposición crítica de la materialidad originaria de la fotografía. Ni analógica ni digital de modo rotundo, esta recomposición mediada por la película fotográfica, ocurre en el terreno alternativo de la pintura. Concretamente al interior de la tela de gran formato, proyección del histórico cuadro actualizado en sus más conspicua condición de campo de exploraciones para el ojo y la mirada.

 

En Primeras Letras el cuerpo fragmentario de la carta de Valenzuela y el cuerpo perdido de la imagen conseguida por el trabajo de la luz se hacen guiños de identidad, funcionando como zonas problemáticas en composiciones abstractas, erosionadas por textos inconclusos o derruidos “campos de color”. Caligrafía y paisaje surgen como verdaderos eventos visuales entre los craquelados y las costras de la pintura. Lo hacen al modo de la sombra de una experiencia visual alojada, como una caricia o un golpe, no en la memoria consciente del ojo contemporáneo sino en su piel.

 

Las pinturas de Franco se presentan como retornos inesperados e inconexos de una memoria visual en blanco y negro, conforman por montaje el gran plano de la tela, casi esculpido por acumulación de capas sucesivas de adherencia. Una adherencia rugosa, discontinua, no ajena a múltiples desgarros y arrepentimientos, constituye el principal recurso de esta pintura mediata, ultratecnificada y en cierto sentido también automática. El efecto pictórico espesa la presencia visual de las viejas y originalmente análogas fotografías cuyos fragmentos figuran allí, a salvo de cualquier deglución rápida, estos fragmentos superpuestos pasan a conformar un acertijo visual y si nos aproximamos, cobran una espesor tridimensional.

 

Las pinturas de gran formato hacen eco en otros objetos que integran también al montaje: un diente de leche cuya figura se recorta sobre una caja de luz; un cacho de toro que surge del muro al modo de los viejos trofeos de caza; transcripciones de las cartas de Valenzuela realizadas por niños y una cuerda verde. Franco propone una metáfora compleja sobre la cultura, no es casual que la imagen del “Chacal· sea su escritura y tampoco la total ausencia de personas en los paisajes. La referencia constante a la muerte y, en el epílogo de la obra también, a la historia natural, cuyos procesos decantan en estructuras complejas que son resultado de milenarias transformaciones (como el diente y el cuerno animal) amplían y complejizan el alcance de la reflexión documental del proyecto.


Actividades:

. Visita guiada a cargo de Nicolás Franco
Jueves 10 de Agosto 4 a 6 pm.

. Visitas guiadas realizada por niños guías del colegio I.E. 7032 Virgen del Pilar de Barranco.
Dom 27 Ago4 a 6 pm.
Dom 15 Oct 4 a 6 pm.

Ingreso con el pago de entrada.


Visitas participativas:

Dirigido a público en general.

Jue 28 y Sáb 30 Sep.
Jue 19 y Sab 21 Oct.

Horario: 4 a 6 pm.
Ingreso con el pago de entrada.

SOBRE LA EXHIBICIÓN

El Museo Nacional de Bellas Artes participa de la 1º Bienal de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR) con la muestras: “Interferencias”, que reúne veinte obras de trece artistas pertenecientes a la colección del MAMCO, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, de Ginebra, que dialogarán con la exposición permanente del Museo.

Obras de: Marion Baruch (ROU), Ernest T. (BEL), Robert Filliou (FRA), Sylvie Fleury (CHE), Thomas Huber (CHE), Maurizio Nannucci (ITA), Claudio Parmiggiani (ITA), Denis Savary (CHE), Sada Tangara (MLI), Sergio Verastegui (PER), Vittorio Brodmann (CHE), Tobias Madison (CHE), Emanuel Rossetti (CHE).

Interferencias

Las obras del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra, colocadas en diálogo crítico con los momentos clave del arte tradicional que componen la colección del Bellas Artes, ofrecen una lectura por momentos paródica, por momentos trágica, de la situación en que el devenir histórico ha sido pensado a través de las grandes creaciones de la humanidad y de su modulación por el discurso museográfico.

Si la instalación de Robert Filliou, compuesta por casi 16.000 dados de colores y tamaños variables, abre la pregunta por la espacialidad y el sentido, sus Poussière de Poussière –envoltorios de obras del Louvre– deconstruyen la manipulación, en los dos sentidos de la palabra, del arte en los museos. En el mismo registro, el termómetro ideal para la pintura de Thomas Huber postula el control material del ámbito de producción del arte, no sin formular el enigma del diálogo implícito con la ciencia. El retrato como género es literalizado por Marion Baruch, que lo vuelve solo una alusión por medio de restos desgarrados de vestimentas, mientras que Sergio Verastegui disecciona el concepto de estilo y técnicas tradicionales en la escultura. Un gesto análogo es puesto en práctica por Maurizio Nannucci, quien también piensa la escultura en tanto disciplina, utilizando el neón para evidenciar la articulación entre arte y mundo mercantil. Usando el mismo material, Sylvie Fleury crea palabras con las que ironiza sobre la noción de belleza y la sociedad de consumo. En otro sentido, Tobias Madison y Emanuel Rossetti iluminan cajas de cartón para reciclaje, a modo de reflexión sobre las redes de intercambio comunitario.

El poder perturbador de las imágenes se evidencia en los retratos donde Sada Tangara denuncia la vulnerabilidad de los niños en Dakar. Ubicadas en las salas del siglo XIX, estas fotografías establecen un fuerte contrapunto con cualquier idea de estética complaciente. En una vertiente distinta, Ernest T. reconstruye obras perdidas de Henri Rousseau, convocando a repensar la autenticidad y originalidad del arte. Al poner en tensión la imagen fija y la imagen en movimiento, Denis Savary propone una nueva lectura sobre el paisaje y los modos de contemplación. En contacto con las piezas canónicas del impresionismo y del posimpresionismo, las pinturas de Vittorio Brodmann parecen transgredir toda tradición. Sin embargo, estas obras, que tienen un antecedente inmediato en la cultura del cómic, también se enraízan en la crítica social de las caricaturas que, hace casi dos siglos, ideó el francés Honoré Daumier.

Así, en este pendular entre tradición y transgresión, la presencia de Bienalsur en el Bellas Artes propone intersecciones que cuestionan algunas de las convenciones asociadas a la idea de museo, e invita a considerar las raíces de nuestra concepción del arte y su lugar en el mundo contemporáneo.

Andrés Duprat
Director del Museo Nacional de Bellas Artes

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Realizada conjuntamente con BIENALSUR, 1º Bienal de Arte Contemporáneo de América del Sur, organizada por Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) de la República Argentina, y el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra (MAMCO). La muestra cuenta con el apoyo de ProHelvetia– Fundación suiza para la cultura, y la Embajada de Francia en Argentina, el Institut Français d’Argentine y la Alianza Francesa en Buenos Aires.

*Imagen ilustrativa:
ROBERT FILLIOU (1926 – 1987)
Eins. Un. One… (Uno. Uno. Uno…), 1984.
Madera pintada, 16.000 dados de diferentes colores y tamaños.
Colección Mamco.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes, por medio del Museo de Arte Moderno, presentan la exposición Nicolas de Crécy. Bitácora mexicana del 1 de septiembre al 29 de octubre.

En colaboración con la Embajada de Francia en México, el Instituto Francés de América Latina y la Fundación Louis Vuitton, el MAM ha recibido 65 acuarelas del ilustrador y escritor Nicolas de Crécy (1966), originalmente concebidas para ilustrar el volumen dedicado a México en la colección Travel Book, editada por la mencionada fundación.

Esta colección editorial suele convocar a artistas contemporáneos de distintos países a interpretar, a través del dibujo, la pintura, el collage, la ilustración, el cómic o el manga, sus visiones personales de los sitios visitados. El concepto de guía turística tradicional se renueva gracias a la dimensión aportada por creadores visuales de primer nivel en una de las prácticas más generalizadas a nivel global: el turismo cultural.

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Las piezas de esta serie surgieron de una residencia de 45 días que realizó De Crécy en nuestro país a fines de 2014, donde recorrió diversas colonias de la Ciudad de México y urbes del Estado de México, Morelos, Oaxaca y Puebla.

Reconocido en el ámbito del cómic europeo, De Crécy ha trascendido las artes visuales por su dominio técnico y su vocación literaria, lo cual lo ha convertido en uno de los representantes más destacados de la llamada nueva novela gráfica francesa, término que define al género del cómic de fantasía apocalíptica.

El artista nacido en Lyon fue introducido en la creación de historietas por la Escuela de Bellas Artes de Angulema, aunque ya desde la secundaria, en Marsella, el entonces adolescente había estudiado artes aplicadas. En el terreno de la animación, trabajó a fines de los años ochenta para los estudios de Disney en Montreuil.

A partir de la década de los noventa, ha obtenido diversos premios internacionales por sus libros ilustrados. Entre sus historias más destacadas se encuentran Foligatto (1991), Bibendum céleste (1994-2001) y Journal d’un fantôme (2007).

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Asimismo, ha expuesto en galerías europeas y mexicanas, además de un libro ilustrado (Période glaciaire, 2005) a solicitud del Museo del Louvre. Posteriormente, su trabajo desembocó en la ilustración de libros de viaje.

Su trazo minucioso y la fluidez expresiva de su narrativa dotan de autonomía las escenas de los lugares visitados como rescates bidimensionales de sitios reelaborados desde la óptica del otro, del forastero que entresaca de lo cotidiano detalles que, para los locales, podrían pasar por ruido visual o por un escenario más en su andar.

Gracias al talento de Nicolas de Crécy, estas imágenes de paisajes urbanos y campestres adquieren el valor de revelación y, con ello, se inscriben en la larga tradición de la obra de artistas viajeros que ha enriquecido considerablemente la plástica mexicana desde el siglo XIX.

CRÉDITOS DE LA EXPOSICIÓN

Equipo MAM / Coordinación general

Raphaël Meltz / Enlace Embajada de Francia

AGRADECIMIENTOS

El Museo de Arte Moderno agradece el invaluable apoyo para la realización de esta exposición

Nicolas de Crécy, Embajada de Francia en México, Sra. Anne Grillo, Julien Guerree, Raphael Meltz, Héctor Pardo, Francisco Sánchez, Miguel Vargas, Louis Vuitton México, Tanya Zimmerman.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes, por medio del Museo de Arte Moderno, presenta la exposición Garry Winogrand, Women are Beautiful. Colección Lola Garrido.

 

Del 9 de septiembre 2017 al 21 de enero 2018

El fotógrafo de prensa y de publicidad Garry Winogrand (Nueva York, 1928-1984) es considerado el pionero de la fotografía callejera, género a medio camino entre lo documental y lo poético que, desde la década de los cincuenta, combina nociones específicas: el encuentro fortuito, el modelo improvisado y anónimo, y la gracia de la foto instantánea, además del gusto por la escena espontánea y la belleza casual.

Women are Beautiful (Las mujeres son hermosas), portafolio de Garry Winogrand publicado en 1975, ofrece un testimonio del tráfago de la vida cotidiana de mujeres desconocidas en una megalópolis. Con una cámara de 35 milímetros y una lente de gran angular, estas transeúntes desprevenidas fueron captadas mientras caminaban por la acera, un parque, un museo, un centro comercial o una marcha de protesta, en imágenes que parecen surgidas del puro azar, pero que se traducen en una observación llena de simpatía, humor cándido y, en ocasiones, ironía.

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Esta crónica visual de la cultura urbana y de la liberación femenina hace recobrar la atmósfera vibrante de las décadas de los sesenta y setenta en una secuencia de 85 impresiones vintage de sorprendente calidad estética y dimensión sociológica.

La exposición se ha presentado anteriormente en Moscú, Viena, Seúl y Dusseldorf. La serie pertenece al acervo de Lola Garrido, veterana coleccionista, curadora y promotora española de prestigiosa trayectoria.

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Nacida España, Garrido se ha convertido en referente obligado en el ámbito de la fotografía artística, por ser precursora del coleccionismo en este rubro, así como por la calidad de los autores que forman su colección, configurada por más de 700 imágenes. Man Ray, Dorothea Lange, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Diane Arbus, Manuel Álvarez Bravo y Robert Mapplethorpe, entre muchos otros, dan cuerpo a un archivo que comenzó a formar en 1986 y cuyos temas de interés giran en torno a la historia de la fotografía, el paisaje, el mundo de la moda y la imagen de la mujer.

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Como crítica de arte colabora con regularidad en los medios más importantes de España, entre ellos los suplementos El Cultural de El Mundo y El País Semanal de El País, donde dirigió la sección Fotomanía. De manera paralela, analiza la complejidad del devenir del arte en publicaciones especializadas en arte y economía. También es autora de La trilateral del gusto, libro que aborda la inversión en el mercado del arte.

AGRADECIMIENTOS

El Museo de Arte Moderno agradece a las siguientes personas e instituciones su invaluable apoyo para la realización de esta exposición:

Stephanie Beas, Lola Garrido, Sofía Ibarra, Maripaz Martínez Soler, Moisés Micha, Rafael Micha, Anne Morin, Pamela Ocampo, Felipe Pando, Magda Romualdo, Bertha Mary Rodríguez, Karla Suárez, Joana Torrents, Valentina Treviño.

diChroma photography

Acción Cultural Española (AC/E)

Embajada de España

CRÉDITOS DE LA EXPOSICIÓN

Lola Garrido / Curaduría

Anne Morin, diChroma photography / Gestión

Sofía Neri / Coordinación curatorial

David Osnaya, Arely Flores / Diseño museográfico

Luis Miguel Leon, Kitula Hernández /Diseño Gráfico

El discurso museográfico de las Salas de Arte Prehispánico ofrece a los visitantes una introducción a la cultura y a la historia del México antiguo (1200 a.C. a 1500 d.C.), desde su geografía, organización social e historia hasta sus expresiones artísticas.

En las siete salas y el centro de documentación que conforman este eje de la colección conviven piezas de diversos formatos y materiales. Su riqueza muestra la pluralidad de técnicas como cerámica, tallado en piedra, labrado en hueso, fundido en oro y otros metales, así como fragmentos de pintura mural que en conjunto nos permiten conocer algunas características de la civilización mesoamericana.

Aproximadamente son 500 objetos artísticos, ceremoniales, suntuarios y funerarios provenientes del Occidente de México, la cuenca del Balsas y algunas localidades del valle de México como Tlatilco, Teotihuacán, Tula y Tenochtitlán. También se exponen ejemplares del centro de Veracruz, la cuenca del Usumacinta, Campeche, valle de Oaxaca y otras zonas de México. Estos objetos representan a las culturas olmeca, huasteca, maya, teotihuacana, nahua, zapoteca, Mezcala, del Tajín y de la tradición arqueológica tumbas de tiro, entre otras.

Absalon, Leonor Antunes, Christian Boltanski, Daniel Buren, Maurizio Cattelan, Philippe Decrauzat, Chohreh Feyzdjou, Dominique Gonzalez-Foerster, Anne-Marie Jugnet, Sol LeWitt, Annette Messager, Pierre Molinier, Bruce Nauman, Philippe Parreno, Jack Pierson, Lili Reynaud-Dewar, Claude Rutault, Jim Shaw, Meredyth Sparks, Haim Steinbach, Jean-Paul Thibeau, Wolfgang Tillmans.

Esta exposición muestra una selección de obras mayores de la colección del CAPC, representativas de las diferentes etapas de la historia del museo. Toujours (Siempre) —título inspirado en la escultura del artista Jack Pierson— evoca la idea de permanencia: ya sea la de una institución, de una colección o la del trabajo continuo realizado con los artistas que han construido la historia del CAPC. En sus diferentes acepciones, la idea de permanencia nos remite ya sea al período de tiempo transcurrido desde la fundación del museo, la continuidad de sus actividades, la coherencia de su programa o la perseverancia de los equipos que allí han trabajado. También queremos hacer referencia a la función del museo como testigo de la historia a través de su misión principal: adquirir, conservar, estudiar y hacer visible su colección.

Concebida específicamente para el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y el Museo Amparo de Puebla, Toujours simboliza una colección en constante movimiento, atenta a las construcciones culturales, así como al espíritu y a las ideas de su tiempo. Cada obra es un testigo, un vector de una idea, de una opinión, y se inscribe en la historia de la época en que fue realizada. Las obras crean una tensión en relación con la memoria, cada una de ellas tiene sus propios referentes y al reunirse con otras en un nuevo dispositivo se genera un diálogo que evoca una nueva aproximación, otro punto de vista sobre la historia de un lugar (privado o público) o sobre nuestra historia en común.

Curadoras | Anne Sophie Dinant y María Inés Rodríguez  en colaboración con Anne Cadenet

A lo largo de más de un año, Perla Krauze (Ciudad de México, 1953) realizó una investigación de los materiales locales del estado de Puebla. La artista hizo varios recorridos para explorar múltiples posibilidades de acercamiento a la producción de un estado con grandes riquezas naturales. Krauze decidió trabajar con la tierra y sus procesos, para lo cual emprendió una larga indagación, posibilitada y acompañada por los productores, labradores, talladores y trabajadores de diversos elementos pétreos.

Visitas continuas a talleres en Tecali y San Salvador el Seco, canteras en Nealtican y Tlayúa, ladrilleras de Huejotzingo y Cholula, depósitos fósiles de San Juan Raya y Tepexi de Rodríguez, así como productores de barro de Los Reyes Metzontla, manantiales en Tehuacán, salinas de Zapotitlán y la Reserva de la Biosfera Tehuacán-Cuicatlán de cactáceas, entre otros, revelaron para la artista la fuerte y signifi­cativa relación que los lugareños tienen con la tierra y sus materiales, que de­finen no sólo su entorno físico, sino también su realidad sociocultural. Los pobladores conservan entre sus pertenencias más valoradas piedras inusuales encontradas durante el desempeño de sus labores.

Las múltiples formas de presentación, organización y clasi­ficación de las piedras que utilizan los talleres locales signi­ficaron un puente con el trabajo previo de la artista. Variadas maneras de apilar, organizar y catalogar los materiales entablaron un diálogo con Krauze y el vínculo que ella misma establece con este tipo de elementos en su taller-estudio.

Así, a través de múltiples aproximaciones, Perla Krauze propone un acercamiento al material lítico de Puebla y sus características más primigenias, así como sus consecuencias culturales, leyéndolo como resultante de largos y complejos procesos geológicos, que lo hacen contenedor de una memoria que integra huellas de diversos contextos, formas de vida y que ha permeado de manera defi­nitiva a las comunidades que lo circundan.

 

Josefa Ortega | Curadora

Con motivo de la celebración del centenario del nacimiento de Juan Rulfo el Museo Amparo presenta la exposición El fotógrafo Juan Rulfo. La muestra revisa la relación de Rulfo con la fotografía, en donde, al igual que con la literatura, dejó una huella importante de su visión de México a través de temas recurrentes como el paisaje, la arquitectura, la cinematografía, la danza, el retrato y la vida rural y urbana.

Proyecto original de Canopia, con la curaduría de Andrew Dempsey y Víctor Jiménez en colaboración con la Fundación Juan Rulfo y Editorial RM.

Andrew Dempsey | Curador

Víctor Jiménez | Curador

La posverdad, es definida por el diccionario de Oxford como “el fenómeno que se produce cuando los hechos objetivos tienen menos influencia en definir la opinión pública que los que apelan a la emoción y las creencias personales”. Foto: ONU/Violaine Martin

La Oficina de la UNESCO en Quito y Representación para Bolivia, Colombia, Ecuador y Venezuela, participó el 2 de mayo de 2017, en la Jornada de Reflexión “Libertad de prensa: Precarización laboral y agresiones a periodistas”, organizada por el Centro Internacional de Estudios Superiores de Comunicación para América Latina (CIESPAL), con motivo de la celebración del Día Mundial de la Libertad de Prensa el 3 de mayo.

Esta Jornada de Reflexión, organizada en el marco de la Cátedra Gabriel García Márquez y la Cátedra UNESCO, estuvo dirigida a periodistas, académicos, estudiantes y la ciudadanía en general para reflexionar acerca de la libertad de expresión y el derecho a la comunicación, con énfasis en los temas vinculados con el ejercicio periodístico: la situación laboral, los mecanismos de protección para periodistas, las agresiones contra la prensa, la impunidad de los asesinatos contra periodistas y los retos que enfrenta el oficio.

Esta jornada de reflexión se inició con la intervención de Rosa Elena Vallejo, Directora de Capacitación del CIESPAL, quien destacó las crecientes condiciones de violencia e inseguridad que amenazan a las y los periodistas en el ejercicio de su profesión, así como la impunidad de los crímenes cometidos contra las y los profesionales del periodismo. Vallejo comentó como ejemplo central de esta situación el caso de la periodista mexicana Miroslava Breach, asesinada por sus denuncias en pleno ejercicio profesional.

Saadia Sánchez Vegas, Directora de la Oficina de la UNESCO en Quito y Representante para Bolivia, Colombia, Ecuador y Venezuela, participó en la jornada con una presentación dedicada a los Indicadores de Desarrollo Mediático (IDM) de la UNESCO. La Directora Representante explicó que los IDM son una metodología dirigida a las/los actores dedicados al desarrollo mediático para diagnosticar el estado de los medios en un determinado contexto nacional. Igualmente, Sánchez Vegas destacó que los IDM son de libre acceso para las y los interesados en su aplicación, por parte del Estado o de la sociedad civil, enfatizando que estos deben sustentarse en un amplio proceso de consulta y participación de los diversos actores sociales y políticos. También resaltó la especial relevancia de garantizar la pluralidad de los medios de comunicación y la diversidad de las opiniones como elementos centrales de la libertad de prensa y, en general, de la libertad de expresión; considerando además que el ejercicio responsable de la libertad de prensa pasa por el sentido crítico y el seguimiento de criterios éticos conforme a los estándares internacionales.

Finalmente, Palmira Chavero, investigadora de FLACSO Ecuador, reflexionó acerca de temas centrales alusivos a la caracterización de los medios de comunicación social y el ejercicio del periodismo en Ecuador. La expositora tocó temas sobre la relación entre el sistema mediático y el político, la crisis de confianza por parte de los usuarios de la información, el carácter altamente visual de la información más consumida en Ecuador, la profesionalización de los periodistas, la vulnerabilidad de los periodistas, la garantía de los derechos comunicacionales y el debate de la información como servicio público.

El Día Mundial de la Libertad de Prensa se conmemora cada 3 de mayo para celebrar y difundir los principios fundamentales de la Libertad de Prensa. La UNESCO ha elegido este año el lema «Mentes críticas para tiempos críticos», con el objetivo de destacar el papel de los medios en el avance hacia sociedades más pacíficas, justas e inclusivas: http://www.un.org/es/events/pressfreedomday/

¿Cómo sería tu vida si fueses otra persona? ¿Te has imaginado alguna vez estar en el lugar de otro? ¿Qué pasaría si esta persona fuese tu vecino? ¿Cómo te sentirías?

La UNESCO se complace en anunciar los nombres de los diez ganadores del concurso «Si yo fuera…», un concurso mundial que invitaba a jóvenes fotógrafos y videastas de 21 a 30 años a experimentar la vida de otra persona mediante un vídeo o una fotografía.

En las dos semanas que duró el concurso, del 24 de febrero al 12 de marzo de 2017, la UNESCO recibió 837 candidaturas de 117 países de todo el mundo.

Los participantes tuvieron la oportunidad de imaginarse en la piel de otra persona con la ayuda de una cámara de fotos o de vídeo. El objetivo era que expresaran cómo se sentían, qué suponía para ellos cambiar de perspectiva y expresarse de otra manera, desarrollando la empatía y dejando de lado los prejuicios.

Esta es la lista de los finalistas del concurso (por orden alfabético):

  • Asher Harani Breech, Filipinas
    Título del vídeo: “Si yo fuera… un indígena filipino”

 

  • Coulibaly Bah Fatoumata, Côte d’Ivoire
    Título de la fotografía : “La pequeña cazadora de agua”

© UNESCO / Coulibaly Bah Fatoumata

 

  • Folaranmi Odetola Ismail, Nigeria
    Título de la fotografía: “Patrón de vida”

© UNESCO / Folaranmi Odetola Ismail

 

  • Hatem Jean, Líbano
    Título del vídeo : “Un puñado de tierra”

 

  • Kathri Achchige Sandunika Hasangani, Sri Lanka
    Título de la fotografía: “Sobreviviente” (Japón)

© UNESCO / Kathri Achchige Sandunika Hasangani

 

  • Núñez Melina, Uruguay
    Tiítulo de la fotografía: “Mismo lugar, realidades diferentes”

© UNESCO / Nunez Melina

 

  • Pérez Fernández Gisela, México
    Título del video: “Si yo fuera… agente del cambio”

 

  • Raihan Ahmmed, Bangladesh
    Título del vídeo: “Si yo fuera… un ayudante”

 

  • Sothy  Suntharak, Camboya
    Título de la fotografía: “Sonrisas a través de la educación y la religión” (China)

© UNESCO / Sothy Suntharak

 

  • Vesal Sulaiman, Alemania/Afganistán
  • Título de la fotografía : “Las tumbas nos dan dinero” (Afganistán)

© UNESCO / Vesal Sulaiman

Cada uno de ellos:

  • Recibirá un iPad mini
  • Será invitado a presentar su vídeo o foto durante la ceremonia de entrega de premios de la “Segunda Conferencia Internacional sobre Voluntariado Juventil: prevenir el extremismo violento y reforzar la inclusión social” que tendrá lugar en la sede de la UNESCO en París del 25 al 27 de septiembre de 2017.
  • Gozará de un reconocimiento internacional y su trabajo se expondrá en el sitio web de la UNESCO y en las redes sociales.

Además, de los diez proyectos ganadores, la UNESCO expondrá otras fotos destacadas del concurso en diferentes formatos (sitio Internet, Sede de la UNESCO en París y una publicación), siempre y cuando la resolución de las fotos lo permita. Se informará oportunamente a los autores de esas fotografías.

¿Por qué organiza la UNESCO este concurso?

La UNESCO aspira a capacitar los jóvenes con las competencias indispensables para el dinámico y diverso mundo de hoy. Estas “competencias interculturales” son fundamentales para la convivencia, sin importar nuestras diferencias sociales, económicas o culturales. El concurso “Si yo fuera …” tiene por objetivo animar a los jóvenes a imaginar nuevas realidades y perspectivas, dejando de lado los estereotipos y los prejuicios.

Este concurso a nivel internacional está organizado en cooperación con el Centro del Rey Abdulaziz para el Diálogo Nacional (KACND) a través del Programa Internacional Abdullah bin Abdul Aziz para una Cultura de Paz y Diálogo. Este programa está siendo implementado dentro del marco del Decenio Internacional de Acercamiento de las Culturas (2013 -2022), proclamado por la Asamblea General de las Naciones Unidas, y liderado por la UNESCO a nivel mundial, a través del desarrollo de proyectos, talleres  de formación, acuerdos de cooperación, encuentros y eventos. Con este concurso, la UNESCO busca promover la riqueza de la diversidad cultural y del dialogo intercultural.

 

Cinco equipos de estudiantes competirán para llevarse el galardón al proyecto más innovador en la quinta edición del concurso “Fly Your Ideas” de Airbus, organizado en colaboración con la UNESCO. Los radicales conceptos seleccionados abarcan un amplio espectro de innovaciones, desde una alternativa a la generación de imágenes por satélite a mejoras en el rodaje en pista de los aviones, métodos de embarque inteligentes, nuevas zonas para guardar el equipaje o una nueva oferta de negocio basada en los aviones actuales de Airbus.

Los cinco equipos finalistas, de Australia, Francia, China, Nigeria y el Reino Unido, representan nueve nacionalidades diferentes y ocho universidades de África, Europa y la región Asia-Pacífico. Constituyen un verdadero ejemplo de diversidad, uno de los principales motores de la innovación y el rendimiento. Los estudiantes, que compiten por un premio de 30.000 euros, muestran también una amplia variedad de disciplinas, desde las ciencias naturales a la ingeniería y las ciencias empresariales.

Sus ingeniosas ideas resultaron elegidas entre las más de 350 inscripciones al concurso mundial bienal; tenían que responder a uno de los cinco retos planteados por Airbus para proponer soluciones sostenibles para el futuro. Las innovaciones propuestas por los cinco equipos finalistas contemplan modelos de negocio alternativos, la experiencia de los pasajeros y las operaciones de vuelo.

Los cinco equipos finalistas viajarán en breve a Toulouse, Francia, donde pasarán una semana en el centro ProtoSpace de Airbus, desarrollando prototipos, probando y visualizando sus ideas con equipos de última generación y la ayuda de Airbus. Al final de la semana, los estudiantes presentarán sus innovadores proyectos y los prototipos desarrollados ante expertos y representantes de la UNESCO y de los ámbitos aeroespacial y académico. El concurso ofrece una oportunidad única para que los estudiantes de todo el mundo, trabajando en diversos equipos de 3 a 5 miembros, desarrollen habilidades valiosas, incluyendo trabajo en equipo, gestión de proyectos, comunicaciones y presentación, y para involucrarse en ingeniería.

Finalists of Airbus’ 2017 Fly Your Ideas competition
© Airbus

 

Las ideas que compiten por el premio final son:

Airborne Earth Observation – Team SkyVision(link is external)
Universidad de Surrey, RU
Un concepto radical que convierte los aviones comerciales en ‘Earth Observation Devices’ [Dispositivos de observación terrestre] gracias a la instalación de unos equipos en la panza de la aeronave para seguir las actividades en tierra durante el vuelo. Alternativa a la generación de imágenes por satélite, este concepto brinda nuevas oportunidades como el análisis ecológico y la planificación urbana.

Improving Airport Taxi Flow and Efficiency – Team Nevada(link is external)
Universidad Obafemi Awolowo, Nigeria
Sistema de rodaje en pista que emplea sensores y algoritmos para el control automatizado del tráfico en tierra, instalados en la torre de control y en los aviones, para mejorar de manera significativa el tráfico de los aviones en los aeropuertos y así reducir las emisiones.

Compact Luggage Strategy Mobile App Team PassEx(link is external)
Institut d’Administration des Entreprises – IAE Toulouse, Francia
Sistema revolucionario de embarque basado en una aplicación en tiempo real para móviles que asigna una condición de embarque a los pasajeros dependiendo del tamaño de su equipaje. La Compact Luggage Strategy (CLS) [Estrategia para un espacio de equipajes más compacto] aborda los problemas actuales con el uso de los maleteros con la propuesta de distribuir a los pasajeros en el avión con arreglo al tamaño de su equipaje.

Private Stowage Compartment – Team DAELead(link is external)
Universidad de Hong Kong, China
Un diseño ingenioso de cabina que contempla un Private Stowage Compartment (PSC) [compartimento individual para objetos] debajo de los pies de los pasajeros, aprovechando el espacio que hay entre el piso de la cabina y el techo de la bodega de carga.

A400M Aerial Firefighting Platform – Team Aquarius(link is external)
Royal Melbourne Institute of Technology, Australia
Solución de protección contra incendios que incorpora unos sistemas modulares basados en contenedores presurizados con productos igniretardantes instalados en paletas de carga rápida para una flota de aviones A400M de Airbus, creando un sistema de plataformas aéreas de lucha contra incendios para la rápida extinción de incendios forestales.

Contactos:

Mentes críticas para tiempos críticos: el papel de los medios para el avance hacia sociedades más pacíficas, justas e inclusivas es el tema elegido este año para celebrar en todo el mundo el Día Mundial de la Libertad de Prensa. El evento principal tendrá lugar del 1º al 4 de mayo en Yakarta (Indonesia).

La conferencia, de cuatro días de duración, (ver programa), pondrá de relieve la importancia de un periodismo libre y basado en los hechos para promover la paz y la justicia así como para apoyar la eficacia, la rendición de cuentas y la inclusión en las instituciones, tal y como preconozca el objetivo desarrollo sostenible número 16.

El vicepresidente de la República de Indonesia, Jusuf Kalla, y la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova, inaugurarán las celebraciones del 3 de mayo. Seguirán una sesión plenaria, titulada “La calidad del periodismo: bien público para sociedades justas, pacíficas e inclusivas”, y seis sesiones paralelas, sobre temas tales como los medios y la información como freno al discurso del odio, la inclusión y la igualdad de género o el extremismo violento. La situación de la libertad de prensa en el sudeste asiático será objeto de una sesión específica.

En la tarde del 3 de mayo, Irina Bokova hará entrega de la edición 2017 del Premio Mundial de Libertad de prensa UNESCO/Guillermo Cano. Este año ha recaído en Dawit Isaak, periodista eritreo encarcelado que estará representado por su hija, Bethelem Isaak. El presidente de Indonesia, Joko Widodo, intervendrá también en la ceremonia.

El 4 de mayo tendrá lugar una segunda reunión plenaria, titulada “Periodismo de investigación: perspectivas en el sudeste asiático y más allá”, seguida por seis sesiones paralelas dedicas al impacto de las “noticias falsas” [fake news] en el periodismo, a la seguridad de los periodistas y a la universalidad de Internet.

La libertad artística, principio inscrito en la Convención de la UNESCO sobre la protección y la promoción de la diversidad de las expresiones culturales se abordará en tres sesiones, organizadas los días 2 y 4 de mayo.

Entre los participantes en la conferencia figuran José Ramos-Horta, ex presidente de Timor-Lest y Premio Nobel de la Paz en 1996, Richard Gingras, vicepresidente de noticias de la empresa Google y Óscar Cantú Murguía, director del diario mexicano Norte, que dejó de publicarse recientemente a raíz del asesinato de una de sus periodistas, Miroslava Breach.

Los principales temas abordados en la conferencia se reflejarán en la Declaración de Yakarta, que se adoptará al término de la conferencia.

La universidad baptista de Hong Kong organizará una conferencia sobre los trabajos universitarios relacionados con la seguridad de los periodistas.

La conferencia de Yakarta, que incluirá talleres de formación, cursos y mesas redondas, contará con 1.200 participantes de una treintena de organismos y órganos de prensa.

En otros lugares del mundo, entre ellos Santiago de Chile y Lima,(link is external) se celebrarán hasta 80 eventos relacionados con la libertad de prensa. Publicaciones de primer plano tales como la cadena de televisión Al Jazeera, el diario El País o la red social de noticias Rappler están publicando contenidos al respecto. La red de Caricaturistas por la Paz ha llevado a cabo una campaña de sensibilización sobre la libertad de expresión.

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Contacto: Ming Kuok Lim, mk.lim@unesco.org(link sends e-mail); +62-21 7399818

DreamWorks Animation
DreamWorks Animation

La primera exhibición a gran escala que celebra los 20 años de los largometrajes más queridos del estudio de animación de DreamWorks y a los talentosos artistas que los realizaron. Creada por el ACMI (Australian Centre for the Moving Image) en colaboración con DreamWorks Animation, esta exposición única, ofrece por primera vez una exploración del enfoque colaborativo y visionario del estudio en la animación, arte, tecnología y narración, y además reúne a curadores y creativos de Melbourne con los animadores, artistas y productores de este importante estudio internacional.

CURADURÍA : ACMI (Australian Centre for the Moving Image) en colaboración con DreamWorks Animation Studio.

MUSEOGRAFÍA : ACMI (Australian Centre for the Moving Image).

SALAS: 6 a 11 | Museo MACO de MoNTERREY. Planta alta.

DURACIÓN: Del 8 de abril al 6 de agosto de 2017.

NUMERO DE OBRAS : Más de 400 artículos únicos y excepcionales nunca antes exhibidos del archivo del estudio incluyendo dibujos conceptuales, guiones gráficos, modelos, máscaras, fotografías, carteles, pinturas y otras obras de arte originales.

Fuente: http://www.marco.org.mx/index.pl?i=1421

 

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta una retrospectiva del célebre artista contemporáneo y uno de los más importantes, innovadores y creativos de nuestro tiempo  (Sao Paulo, Brasil, 1961), quien ha convertido su obra en un tipo de arte que juega con la ilusión de quien mira: pinturas clásicas y fotografías de imágenes que él mismo construye combinando una actitud propia del pop respecto a la temática, con un punto de vista pictórico en cuanto a procesos y materiales poco convencionales.

CURADURÍA: Arthur Ollman.

MUSEOGRAFÍA: Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

SALAS: 1 a 4 / Planta baja.

DURACIÓN: Del 10 de marzo al 11 de junio del 2017.

NÚMERO DE OBRAS: Más de 110 obras.

20 de abril, 2017 — La UNESCO presentó este jueves un nuevo informe sobre la situación de la educación universitaria que muestra grandes disparidades en el acceso frente a un rápido crecimiento de la demanda y la incapacidad de los gobiernos de lidiar con ello.

La cantidad de estudiantes universitarios se duplicó y ascendió a 207 millones entre los años 2.000 y 2014, revela un estudio de la UNESCO publicado este jueves.

El documento explica que muchos gobiernos no han podido hacer frente a esta creciente demanda lo que ha dado lugar a grandes disparidades en el acceso. Finalmente, el costo recae en las familias, muchas de las cuales no tienen capacidad de pago.

En el análisis de estas tendencias globales, el informe muestra que sólo el 1% de los estudiantes pobres puede completar cuatro años de educación universitaria, en comparación con el 20% de los que son ricos.

Por ejemplo, en México, menos del 1% de la población indígena acude a la universidad.

Los colegios y las universidades privadas han crecido exponencialmente y están absorbiendo la gran demanda. A nivel global inscriben a un 30% de los estudiantes. Pero, en América Latina, esa cifra es del 50%.

La UNESCO indicó que frente a este fenómeno los gobiernos no han podido dar abasto financieramente, dejando que esa pesada carga recaiga en manos de las familias. En el caso de la región latinoamericana, el informe menciona la situación de Chile e indica que en ese país el 55% cubre el costo de los estudios universitarios.

El organismo de la ONU señaló que existen políticas para solucionar este problema y acabar con los altos costos y préstamos que deben afrontar las familias.

Una de las sugerencias del estudio es que los créditos no excedan el 15% del ingreso mensual de los alumnos, además, plantea ofrecer ayuda financiera a los que más la necesitan.

Otra propuesta es crear una agencia que ofrezca ayuda estudiantil.
También propone, entre otros, crear legislación y marcos regulatorios que garanticen la equidad de acceso.

25 de abril 2017. El crecimiento económico de este año en América Latina y el Caribe alcanzaría 1,1%, dos décimas menos de lo que se calculaba en diciembre pasado, indicó hoy la Comisión Económica para la región (CEPAL).

En un comunicado, la CEPAL subrayó la necesidad de aumentar la inversión en infraestructura como base de un crecimiento sustentable y llamó a incrementar la productividad por medio de la innovación, la sostenibilidad ambiental y la protección al empleo.

Apuntó, asimismo, que hace falta potenciar la inversión social y productiva a través de ajustes fiscales inteligentes y de políticas que tomen en cuenta tanto el impacto en la capacidad de avance a largo plazo, como las condiciones sociales de los habitantes de la región.

La CEPAL indicó que en 2017 el crecimiento variará entre países y subregiones, con Centroamérica liderando la expansión con un 3,6%.

Por su parte, Sudamérica, cuyas economías se especializan en la producción de bienes primarios, en especial petróleo, minerales, y alimentos, registrará un crecimiento promedio de 0,6%, proyectó la Comisión.

La dinámica de crecimiento en 2017 da cuenta de un aumento de la demanda externa para estas economías y de precios de productos básicos que resultarán en 2017 más altos en promedio que los vigentes en 2016.

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