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El encontró una joya aún por pulir en la quinceañera estadounidense Cori 'Coco' Gauff, la nueva sensación del circuito profesional y gran candidata a tomar el reinado mundial.

 
Con las hermanas estadounidenses Serena y Venus Williams, abocadas al final de sus respectivas carreras y las actuaciones inestables de las encargadas de tomar el revelo, la adolescente norteamericana irrumpió con fuerza en la actual temporada para robar reflectores y acaparar los elogios de los especialistas. Esta campaña Gauff ingresó a los libros al convertirse en la jugadora más joven en conquistar el título del torneo austríaco de Linz. Desde el 2004, cuando la checa Nicole Vaidisova obtuvo el cetro en Tashkent, ninguna otra tenista había levantado un trofeo de la Asociación Femenina de Tenis (WTA) con menos edad. En la Era Open, aventajaron a la norteamericana por su precocidad para ganar un cetro de la WTA sus compatriotas Tracy Austin, Cathie Rinaldi, Jennifer Capriati y Andrea Jaeger, la croata Mirjana Lucic, la serbia Monica Seles, la argentina Gabriela Sabatini y Vaidisova. El récord absoluto lo tiene la exnúmero uno del orbe Austin, quien en 1977 triunfó en la lid de Portland con 14 años y 28 días. Gauff, procedente de la fase previa, disputó sin ningún temor su primera final en Linz y consiguió un triunfo convincente ante la Jelena Ostapenko, campeona del Roland Garros 2017, para dar un enorme salto en el ranking mundial, al pasar del puesto 110 al 71. En su primer certamen de la temporada, la norteamericana ganó un partido en Miami y luego entró a la historia de Wimbledon, tercer Grand Slam del año, al clasificarse para el cuadro final con 15 años y 222 días, la tenista más joven en hacerlo. Ya en el 'Major' británico irrumpió con fuerza al vencer a Venus Williams, exlíder del escalafón universal, y a la polaca Polona Hercog, tras recuperarse de un set abajo y un desfavorable 5-2 en el segundo parcial. En los octavos de final, cayó en la cancha central del All England Club ante la rumana Simona Halep, a la postre campeona, pero recibió la ovación de la exigente afición londinense que vio en ella a la futura monarca. Más tarde, consiguió un par de éxitos en la justa de Washington y cedió ante la japonesa Naomi Osaka, exnúmero uno del orbe, en la tercera ronda del Abierto de Estados Unidos, en un duelo calificado por los analistas como generacional y que abandonó entre lágrimas y arropada por los aplausos del público. La adolescente, finalista del Abierto de Estados Unidos juvenil de 2017 y ganadora del Abierto de Francia en esta misma categoría al año siguiente, arrancó la temporada como la número 685 del listado mundial y en su meteórico ascenso a la cúspide ya aparece entre las 100 mejores del orbe. Calificada como la nueva niña prodigio del tenis, Gauff va camino a continuar los pasos de su compatriota Serena Williams, ganadora de 23 coronas de Grand Slam y la gran dominadora del circuito profesional hasta el 2017. Con el objetivo de proteger a la adolescente, la WTA ya adelantó que solo podrá disputar tres torneos en el arranque de la próxima campaña hasta que cumpla los 16 años el 13 de marzo próximo y después 11 más en el 2020, cifra que aumentará a 16 en el 2021. Jugadora aún en formación tenística y personal, la entidad no quiere que Gauff siga el camino de otras tenistas bien precoces que malograron sus carreras como Austin, Rinaldi, Jaeger, Lucic y Vaidisova. La actuación de Gauff en 2019 ha eclipsado un tanto el brillante año de otra sensación del tenis mundial, la canadiense Bianca Andreescu, quien con solo 19 años ya ganó esta campaña tres títulos, Indian Wells, Toronto y el Abierto de Estados Unidos, y trepó desde el escaño 147 al quinto del escalafón universal. A pesar de la lesión sufrida en el hombro derecho de la justa de Miami, Andreescu se recuperó para alzar el título de Toronto y mostrar su clase en Nueva York para convertirse en la primera adolescente con un Grand Slam desde la rusa María Sharapova en el 2006. Además, clasificó a la Copa Masters de Shenzhen, último certamen de la temporada y reservado para las ocho mejores raquetas del año, al ocupar el cuarto puesto del escalafón anual. Para la elitista lid, a disputarse del 27 de octubre al 3 de noviembre, ya obtuvieron sus boletos la australiana Ashley Barty, las checas Karolina Pliskova y Petra Kvitova, Halep, Osaka y la ucraniana Elina Svitolina.

 

Joan Mitchell

Joan Mitchell (Chicago, 12 de febrero de 1925 – Neuilly sur Seine, 30 de octubre de 1992) fue una pintora expresionista estadounidense perteneciente a la "segunda generación" del expresionismo abstracto, además de estampadora. Una parte importante de su carrera transcurrió en Francia.1​ Junto a Lee Krasner, Grace Hartigan, Helen Frankenthaler, Shirley Jaffe, Elaine de Kooning, y Sonia Gechtoff, fue una de las pocas pintoras aclamada en su época por crítica y público. Su trabajo esté presente en las colecciones y museos más importantes de Estados Unidos y Europa. En 2014 se convirtió en la mujer pintora más cotizada en un subasta hasta el momento, con su cuadro "Sin título" (1960) vendido por 11.9 millones de dólares en 2014.   Mitchell nació en Chicago, Illinois, hija del dermatólogo James Herbert Mitchell y de la poetisa Marion Strobel Mitchell. Le gustaba el salto en natación y el patinaje sobre hielo y en su arte reflejó su interés por lo atlético; un marchante de arte comentó que Mitchell "se aproximó a la pintura casi como un deporte competitivo". Mitchell asistió con frecuencia a las clases del sábado del Instituto de Arte y asistió durante los veranos de su adolescencia a la Escuela del Instituto de Arte de Chicgo. Vivía en Chestnut  Street en el barrio de Streeterville acudiendo al instituto Francis W. Parker School cerca del Lincoln Park. Mitchell estudió en el Smith College en Massachusetts y en el Instituto de Arte de Chicago, donde logró su BFA en 1947 y su MFA en 1950.Después de dejar Manhattan en 1947, quería estudiar en la escuela Hans Hofmann en Nueva York pero, según Jane Livingston en su ensayo publicado en 2002  ("Las Pinturas de Joan Mitchell"), Mitchell acudió sólo a una clase y declaró que, "no podría entender una sola palabra y la dejé aterrada." Una beca de 2,000 dólares le permitió viajar para estudiar en París y Provence en 1948-49, además de viajar también a España e Italia. Mitchell es reconocida como una figura principal de la pintura y una de las pocas mujeres artistas de la segunda generación de pintores Expresionistas Abstractos de Estados Unidos.7​ A principios de los años 50 fue considerada destacada artista de la Escuela de Nueva York. En sus primeros años como pintora, tuvo la influencia de Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, Claude Monet, Vincent van Gogh, y más tarde por el trabajo de Franz Kline y Willem de Kooning, Jean-Paul Riopelle, entre otros. Sus pinturas son expansivas, a menudo cubriendo múltiples paneles. El paisaje fue la principal influencia en su tema. Pintó sobre lienzo sin imprimar o sobre fondo blanco con pinceladas gestuales, a veces violentas. Mitchell ha descrito una pintura como "un organismo que gira en el espacio". Admiradora de la obra de van Gogh, observó en una de sus pinturas finales - Wheatfield with Crows (1890) - la simbología de la muerte, el suicidio, la desesperanza, la depresión y la oscuridad. Con la sensación de que Wheatfield with Crows era una nota de suicidio, pintó un cuadro llamado No Birds como respuesta y como homenaje.: Después de trasladarse a París en 1959, Mitchell empezó pintar en un estudio en el rue Fremicourt en el Distrito XV 5.º de París.10​ Durante el período comprendido entre 1960 y 1964, se alejó del estilo general y los colores brillantes de sus composiciones anteriores, en lugar de eso, usó tonos sombríos y densas masas centrales de color para expresar algo incipiente y primordial. Se dijo que las marcas en estas obras eran extraordinarias: "La pintura se arrojó y se apretó contra los lienzos, se derramó y escupió sobre sus superficies y se manchó con los dedos del artista".11​ La propia artista se refirió a su obra creada en este período de principios de la década de 1960 como "muy violenta y enojada", pero en 1964 estaba "tratando de salir de una fase violenta y entrar en otra cosa". Según historiadora de arte Linda Nochlin, Según la historiadora del arte Linda Nochlin, el significado y la intensidad emocional [de los cuadros de Mitchell] se producen estructuralmente, por así decirlo, por toda una serie de oposiciones: trazos densos versus transparentes; estructura cuadriculada versus construcción más caótica y ad hoc; peso en "la parte inferior del lienzo versus peso en la parte superior; luz versus oscuro; trazos discontinuos versus continuos; yuxtaposiciones de tonalidad armoniosas y en conflicto; todas son señales potentes de significado y sentimiento".

Mitchell dijo que quería que sus pinturas "transmitieran la sensación del girasol moribundo" y que "algunas de ellas salen como chicas jóvenes, muy tímidas ... son muy humanas"

Las pinturas al óleo y los minuciosos dibujos a lápices de colores de las figuras idealizadas de amigos, personajes históricos y celebridades nos remiten a la estética de las fotografías de moda, pero la composición de los cuadros y el énfasis en la psicología de los modelos muestran una clara influencia de retratistas como Anthony van Dyck, Diego Velázquez, Francisco Goya, Edouard Manet, John Singer Sargent, Andy Warhol, David Hockney y Alex Katz. Elizabeth Peyton ha pintado una galería integrada por los personajes de las novelas de Gustave Flaubert y Stendhal; por figuras de la política y la realeza, como Napoleón, María Antonieta, Luis II de Baviera, Lady Di, Al Gore y Michelle Obama; por escritores reconocidos, como Óscar Wilde; por músicos populares, como Elvis Presley, John Lennon, Kurt Kobain y Pete Doherty; por actores, como Leonardo DiCaprio y Chloë Sevigny; por artistas plásticos, como Eugéne Delacroix, Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, David Hockney y Matthew Barney; y por amistades desconocidas, como Tony, Craig, Ben, Nick y Spencer. La pintora no hace distinciones entre celebridades y personajes anónimos; el título de la mayoría de sus obras es el nombre del modelo; esto tiene el efecto de acercar al retratado con el observador del cuadro, consiguiendo una sensación de confianza. La artista confiesa: “Para mí no existe una separación entre las personas a las que conozco a través de su música o fotos y alguien a quien conozco personalmente. La manera en que los percibo es muy similar; no hay diferencia entre determinadas cualidades que encuentro inspiradoras en ellos; ambos me dan algo mágico en el mismo nivel”.4​ Las obras se caracterizan por un trabajo detallado en las facciones y los labios carmesí de los hombres y mujeres retratados, lo cual los hace fácilmente reconocibles. A finales de la década de los noventa, la actitud de los modelos se volvió más introspectiva; ya no posaban en actitud romántica ni tenían un aire de dandy del siglo XIX; ahora Peyton mostraba su psique, a través de la composición y el uso de los colores. En el año 2001, Elizabeth Peyton se mudó de Manhattan hacia North Fork, Long Island, Nueva York, e incorporó a sus cuadros los colores y la luz de la costa de la punta norte, de la isla neoyorkina. Empleó más la pintura basada en modelos y paisajes en vivo, en lugar de recurrir a fotografías, portadas de revistas y recortes de periódicos. En el año 2004, con el alquiler temporal de un estudio en Manhattan, Elizabeth Peyton comenzó a pintar escenas de la vida y de sus propias fotografías, sin dejar de lado los dibujos de fuentes literarias (libros y revistas); en estas obras los colores son más ligeros, aclarados por la luz natural, y las poses de sus modelos se tornaron menos rígidas y más relajadas. Un claro ejemplo es el cuadro “Anette” (2004, óleo sobre tabla, 35.6 x 27.9 cm, colección privada). La artista ha combinado las pinturas dibujadas al natural con las escenas extraídas de fotografías de filmaciones y de fotogramas de películas, como “Jeanne Moreau and François Truffaut (The Bride Wore Black)” (2005, óleo sobre tabla, 12.9 x 22.9 cm, Sender Collection), “Georgia O’Keeffe (after Stieglitz 1918)” (2006, óleo sobre lienzo, 76.5 x 58.7 cm, Colección David Teiger) “Susan Sontag (alter H. C. Bresson’s Susan Sontag, Paris, 1972)” (2006, óleo sobre tabla, 22.9 x 17.8 cm, Colección Tia y David Hoberman, Los Ángeles). Mientras que algunas de sus obras toman a los protagonistas de fotografías de revistas y de las cubiertas de los discos, y concentran su mirada en jóvenes ociosos, en los últimos años se ha decantado por pintar y dibujar escenas de la vida o de las fotografías, con un efecto global más vulnerable;5​ lo cual es notable en los retratos “Jonathan (Jonathan Horowitz)” (2005, óleo sobre tabla, 30.5 x 22.9 cm), “Matthew” (2008, óleo sobre tabla, 31.8 x 22.9 cm, Colección privada), “John Giorno” (2008, óleo sobre tabla, 25.4 x 20.3 cm), “Liz and Diana (Liz and Diana Welch)” (2006, óleo sobre tabla, 30.5 x 22.9 cm, The Sander Collection), “Angus and Jonathan (Angus Cook and Jonathan Caplan)” (2006-07, óleo sobre tabla, 25.4 x 20.3 cm, Colección Mandy y Cliff Einstein) y “Nick and Pati (Nick Mauss and Pati Hertling)” (2007, óleo sobre tabla, 33 x 25.4 cm, Colección privada). En el último lustro, Peyton ha explorado los tradicionales bodegones, aunque con un fuerte elemento de retratos; obras como “Pati” (2007), “Flowers and Diaghilev” (2008), “Cat (Cat Still Life)” (2009), “Flowers. Lichtenstein, Parsifal” (2009), “Flowers and Books Camille Claudel, # 1” (2010) y “Acteón, Justin Bieber, and Grey Roses” (2011), muestran la imagen del retratado oculta entre la naturaleza y una amplia gama de objetos estáticos, que extraen su personalidad y estado ánimo. En el año 2012, Elizabeth Peyton continuó pintando retratos con un fuerte elemento de naturaleza muerta; un reflejo de esta tendencia es la exposición “Jonathan Horowitz-Elizabeth Peyton. Secret Life”, en la galería Sadie Coles HQ, en Londres, Inglaterra (del 7 de junio al 25 de agosto de 2012), en la que Horowitz y Peyton integran varias técnicas plásticas para explorar la relación entre las plantas y la psicología humana. En el año 2013, presentó dos exposiciones individuales en los Estados Unidos ("Klara: 13 Pictures", Michael Werner Gallery, Nueva York; serie de trece retratos de su amiga, la también artista Klara Liden; y una exposición en la galería Gavin Brown’s enterprise, Nueva York); y una en Alemania ("Here She Comes Now", Staatliche Kunsthalle Baden-Baden). A las cuales siguieron, en el año 2014, "Elizabeth Peyton: Da scheinest Du, o lieblichster der Sterne", Neugerriemschneider, Berlín, Alemania; y "Street posters in the centre of Arles", Fondation Vincent Van Gogh, Arles, Francia. Las últimas obras de Elizabeth Peyton se han caracterizado por un tratamiento más abstracto en sus retratos, y una paleta con colores opacos. La artista cuenta con 67 exposiciones individuales. Peyton celebró su primera exposición individual en la galería “Althea Viafora” (en la planta baja del #568 Broadway, en Nueva York, del 10 de noviembre al 3 de diciembre de 1987), y su segunda en el cuarto 828, del Hotel Chelsea, de Nueva York, en el año de 1993. Entre sus exposiciones individuales destacan: en el Kunstmuseum, en Wolfsburg, Alemania (1998); Museo de Arte Contemporáneo (Basilea), Suiza (1998); Castello di Rivoli–Museo d’Arte Contemporanea, en Turín, Italia (1999); Sadie Coles HQ at the Royal Academy of Art, en Londres, Inglaterra (2002); “Elizabeth Peyton: opere su carta, Roma roma roma”, en Roma, Italia (2003); “Ghost”, una retrospectiva de los grabados de la artista, en el Mildred Lane Kemper Art Museum, St. Louis, EE. UU., y en el Opelvillen, Rüsselsheim, Alemania (ambos en el año 2011); y la gran retrospectiva “Live Forever”, en el New Museum, Nueva York, el Walker Art Center, Minneapolis, EE. UU., la Whitechapel Art Gallery, Londres, y el Bonnefanten Museum, Maastricht (2009-10). “Reading and Writing”, en el Museo Irlandés de Arte Moderno, Dublín, en el 2009, reunió mucha de su obra basada en la literatura. “Wagner”, en la Galería Met, de la Ópera Metropolitana de Nueva York, en el 2011. Las exposiciones individuales en la Gagosian Gallery, en París, Francia (2011); y en el Regen Projects, Los Ángeles, California, Estado Unidos (2012); así como la exposición “Secret Life” (con Jonathan Horowitz), en la galería Sadie Coles, en Londres, Inglaterra (2012); "Klara: 13 Pictures", Michael Werner Gallery, Nueva York, Estado Unidos (2013); "Elizabeth Peyton. Gavin Brown’s enterprise", Nueva York, Estado Unidos (2013); "Here She Comes Now", Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (2013); "Elizabeth Peyton: Da scheinest Du, o lieblichster der Sterne", Neugerriemschneider, Berlín, Alemania (2014); y "Street posters in the centre of Arles", Fondation Vincent Van Gogh, Arles, Francia (2014). Peyton ha participado en más de ciento ochenta exposiciones colectivas, entre las que destacan “Campo”, en la Bienal de Venecia (1995), Projects 60 (con Luc Tuymans y John Currin), en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1997), y la “Bienal Whitney”, en el Museo Whitney de Arte Estadounidense, en Nueva York (2004). El autorretrato “Savoy (self-portrait)” (1999, lápices de colores sobre papelería de hotel, 21 x 15 cm, Colección privada, Berlín), en el que dibuja, sobre un papel con el sello del Hotel Savoy de Londres, su imagen de cuerpo entero, tomando una fotografía, fue seleccionado para la exposición colectiva “Drawing now: Eight propositions” –presentada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, del 17 de octubre de 2002 al 6 de enero de 2003-, la cual consistió en unos 250 dibujos, de 26 artistas de Europa, Asia y América, divididos en ocho secciones que representaban las distintas tendencias en el dibujo contemporáneo. La exposición colectiva “Regarding Warhol; Fifty Artists, Fifty Years”, en el Museo Metropolitano de Arte, de Nueva York, del 18 de septiembre al 18 de diciembre de 2012, exhibió el cuadro “Blue Kurt” (1995, óleo sobre tela, 50.8 x 40.6 cm, colección privada), de Elizabeth Peyton, al lado de obras de Andy Warhol, y de artistas contemporáneos importantes que han sido influenciados por Warhol, como Gerhard Richter, Nan Goldin, Cindy Sherman y Jeff Koons.

Joseph Adolphe se mudó a la ciudad de Nueva York en 1992 para asistir a la Escuela de Artes Visuales  donde recibió su MFA en 1994. Ha recibido varios premios por su arte, incluido el primer lugar en el concurso "Figura ahora 2010" en la Universidad de Fontbonne en St. Louis, Missouri. Su trabajo ha sido presentado en más de cuarenta exposiciones desde 1998 en todo Estados Unidos e internacionalmente. Ahora vive con su esposa e hijos en New Haven, Connecticut, y es profesor de Bellas Artes en la Universidad de St. John  en Nueva York. Las pinturas al óleo de Joseph Adolphe representan incertidumbre, ansiedad y vulnerabilidad en la actualidad. Ya sea que sean derrotados combatientes, bestias ágiles o niños inocentes, sus súbditos parecen agobiados por el conflicto y el peso del mundo. No obstante, son personajes fuertes y resistentes, ya que su confianza y valentía le dan a las pinturas un optimismo innegable incluso cuando el tema es oscuro. "Toro Bravo", la primera exposición individual de Adolphe en BDG fue un éxito rotundo. En el verano de 2012, su pintura, Mars No. 1, fue elegida para la portada del Anual Internacional de Pintura de la Galería Manifiesto, y Joseph Adolphe y su trabajo aparecerán en el próximo documental, HEAVYWEIGHTPAINT. Las pinturas de Joseph Adolphe se encuentran en muchas colecciones privadas y corporativas en los EE. UU. Y en el extranjero PREMIOS Y HONORES 2014 Conferenciante principal, Simposio internacional sobre diplomacia cultural, Naciones Unidas, NY. 2011 ManifestGallery.org, INPA2, International Painting Annual 2. Finalista. Elegido para la imagen de portada. 2011 ManifestGallery.org, INDA6, International Drawing Annual 6. Dos dibujos a gran escala seleccionados. 2010 Ganador del 1er lugar, The Figure Now 2010, International Juried Exhibition, Fontbonne University, St. Louis, Missouri. "Una exposición internacional con jurado, que reconsidera los enfoques tradicionales y contemporáneos de la figura. 2009 Studio Visit Magazine, volumen ocho y volumen nueve. Publicación con jurado. 1998 Elizabeth Greenshields Foundation Grant. 1992 School of Visual Arts, New York, NY, MFA Program, Beca Académica Completa EXPOSICIONES INDIVIDUALES SELECCIONADAS Galería Bertrand Delacroix 2014, Nuevas pinturas, Nueva York, Nueva York Galería Bertrand Delacroix 2012, Toro Bravo, Obra reciente, Nueva York, Nueva York 2011 Galería Kehler Liddell, Nuevas pinturas, New Haven, Connecticut 2010 Galería West Rock, Pinturas de Italia, New Haven, Connecticut 2009 Kehler Liddell Gallery, Affinities, New Haven, Connecticut 2008 Kehler Liddell Gallery, Deconstruction & Resurrection, New Haven, Connecticut 2005 Galerie Françoise, New Works: Figures, Baltimore, Maryland 2003 Galerie Françoise, Joseph Adolphe: Urban Landscapes, Baltimore, Maryland 2003 Gallery 119, Joseph Adolphe: Urban Landscapes: Brooklyn & Rome, Jackson, Mississippi 2003 The Object Image Gallery, New Paintings, Brooklyn, Nueva York 2002 The Late Show, Rome: Paintings from the Eternal City, Kansas City, Missouri 2002 Pulmone Pulsante, Joseph Adolphe: Drawings 1993–2002, Rome, Italy 2002 The Late Show, Urban Landscapes-Brooklyn, Kansas City, Missouri 2002 North 6th Gallery , Joseph Adolphe: Drawings and Paintings, Brooklyn, Nueva York 2001 Bogigian Gallery, Joseph Adolphe: Paintings, Chambersburg, Pennsylvania EXPOSICIÓN DE GRUPO SELECCIONADO 2014 New Zones Gallery, G'ddy Up !, Calgary, Canadá 2014 Axelle Gallery, Winter Collective, Boston, MAMÁ. 2013 The Art Directors Club, Round ZERO, NYC 2012 Bertrand Delacroix Gallery, NYC 2011 Jonathan Frost Gallery, New Artists Showcase, Rockland, Maine 2011 Norwalk College Gallery, Zoology 101, Norwalk, Connecticut 2010 A-Space Gallery @ West Cove Studios, Large Works Show, West Haven, Connecticut 2010 Fontbonne University Fine Arts Gallery, Figure Now, St. Louis, Missouri 2010 Kehler Liddell Gallery, Size Matters, New Haven, Connecticut 2009 Paper New England, Go Figure, Newspace Gallery, Manchester, Connecticut 2009 Paper New England, Current Connecticut, Artspace, Hartford, Connecticut 2009 Ct. Com. on Culture & Tourism, Touring Connecticut, CCCT Gallery, Hartford, Connecticut 2008 Kehler Liddell Gallery, Change, New Haven, Connecticut 2005 Delgado-Tomei Gallery, Figuratively Speaking, Brooklyn, New York 2005 NY Law School, Imprimir: OIA Group Show, Nuevo York, Nueva York 2004-5 Manhattan Graphics, Touring Group Show: monoimpresiones, en toda la India 2003-5 Conversaciones, Exposición colectiva itinerante, Comienzo en Baltimore, Maryland 2004 Evergreen House, Universidad Johns Hopkins, Baltimore, Maryland. 2 de octubre al 23 de enero  2004 Delaware Center for Contemporary Arts, Wilmington, Delaware. 6 de febrero al 23 de mayo  2004 Universidad de Hartford, West Hartford, Connecticut. 15 de julio a agosto 20 2003 Galerie Françoise, Summer Group Show, Baltimore, Maryland 2002 The Object Image Gallery, Brooklyn Artists, Brooklyn, New York Gallery 2002 119, The Self Portraits Show, Jackson, Mississippi FERIAS DE ARTE 2014 ArtMRKT SAN FRANCISCO, Stephanie Breitbard Fine Art, San Francisco, CA. 2014 Dallas Art Fair, Newzones Gallery, Canadá, 2014 Miami International Art Fair, Bertrand Delacroix Gallery, Nueva York. 2014 Feria de Arte Contemporáneo ArtPalmBeach, Galería Bertrand Delacroix, Nueva York. 2013 Red Dot Art Fair, Miami, Bertrand Delacroix Gallery, NYC TEACHING 2000-Profesor actual de arte, Departamento de Arte y Diseño, St. John's University, NYC   PRENSA Rae, Haniya, "Heavyweight Paint", Guernica Magazine, 26 de junio de 2013, Documental 2010-2014, Heavyweightpaint. www.Heavyweightpaint.com PoetsArtists, Joseph Adolphe, número 40, noviembre de 2012, págs., 8-10 Sepulvida, David, Westville Painter hace el corte "Heavyweight", The New Haven, Advocate, 4 de junio de 2012. Versión web: The Coffin Factory, Shelter, Paintings by Joseph Adolphe Issue 3, pgs 43 y 46 Sepulvida, David, New Haven, Independiente, "Open Studios Meets Westville Renaissance", 15 de octubre de 2010. Sección de Artes. Hoffman, Hank, A Continuum of Gesture, The New Haven Advocate Pg. 35, 7–13 de enero de 2010 Catlin, Roger The State Through Artists 'Eyes, The HartfordCourant, sección Art Week, pág. 12, 6 de noviembre de 2008 Duran, Elvira J. Elección de la crítica, Todos necesitamos un poco, New Haven Magazine, pág. 38, octubre de 2008 City Wide Open Studios Catalog, 2008–2009 Artists Directory, pág. 159 Glaser, Brian Visual Arts Journal, School of Visual Arts Magazine, Alumni Exhibitions, Nueva York, NY, Volumen 16, Número 2, pág. 90, 92. Birke, Judy Dos artistas, dos enfoques hacen un buen espectáculo en Kehler Liddell, New Haven Register & (NewHAvenRegister.com), Sección E pg.1–2, 3 de febrero de 2008 Duran, Elvira J. 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Katharine Cooper es una fotógrafa sudafricana (nacida en Grahamstown en 1978, vive y trabaja en Arles, Francia) estudiante perpetua de la fotografía, con un amor salvaje por el medio. Y, al mismo tiempo, estudiante de la vida, la naturaleza y la libertad que fotografía mujeres, hombres y niños con increíble respeto y sensibilidad.

Katharine Cooper dejó su país natal en 1986 para instalarse en Zimbabwe. Allí, en Harare, fue a la escuela con las hermanas dominicas y comenzó a aprender fotografía con su padre, un periodista, a utilizar su Nikkormat y luego una Leica M4 y una Hasselblad 500c de formato medio que sigue utilizando hoy en día.

Con 19 años, dejó África para licenciarse en fotografía en la Nottingham Trent University en el Reino Unido. En 2000, hizo un intercambio de estudiantes de seis meses con la famosa Ecole Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP) de Arles, y decidió quedarse en la Camarque que le recordaba  África, y se apuntó como estudiante en la ENSP, donde se graduó con honores en 2004.

En 2005 Cooper comenzó a trabajar en el laboratorio para el gran fotógrafo Lucien Clergue, cofundador del festival de fotografía Rencontres d'Arles.

Utiliza principalmente su Hasselblad, con Kodak Tri-X y también películas Ilford, que ella misma revela y positiva. El proceso de elaboración e impresión de sus fotografías es una parte muy importante del contenido y de su visión y lectura fotográfica.

Cooper, que desde los 21 años vive en el sur de Francia, ha desarrollado un fuerte parentesco con su familia espiritual en Francia, en base a amistades con otros artistas, con los que comparte una convicción similar de la libertad.

En 2013 recibió el Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière - Academie des beaux-arts por su documental Les Blancs Africains. Voyage au pays natal, sobre la minoría blanca en Sudáfrica. Un tema tabú. Durante cuatro meses, ella viajó más de 6.000 km hasta los distintos lugares vinculados a su infancia y su historia personal, tanto en Sudáfrica como en Zimbabwe. Estas fotografías se exhibieron en Académie des Beaux-arts en París a finales de 2013.

Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco. Su tema fotográfico principal fueron los paisajes. En un viaje a Yosemite, California, captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En sus fotografías no suelen aparecer personas. A Ansel Adams se le conoce como el padre del sistema de zonas. Esta es una técnica para exponer correctamente una fotografía, que determina las zonas de grises, a base de medir con el fotómetro el gris medio de una imagen. En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan. En 1933 viaja a Nueva York donde conoce a Alfred Stieglitz con quien entabla una gran amistad y quién le granjearía en el futuro trabajos en revistas como Fortune o Life. Stieglitz también le ayuda a hacer su primera exposición fotográfica. En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas. Trabajó por encargo para las empresas Kodak, IBM y AT&T, además de ser fotógrafo asesor en Hasselblad. En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema. ntre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979). Entre sus numerosos libros sobre fotografía tiene especial importancia la trilogía de manuales técnicos sobre la cámara, el negativo y la copia.
"La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético." - Ansel Adams (1902 - 1984).
 

Ansel Adams, referente en el mundo de la fotografía de paisaje y creador del sistema de zonas

Ansel Adams es uno de los grandes fotógrafos de la historia, conocido sobre todo por sus fotografías en blanco y negro de naturaleza, y por ser el creador del sistema de zonas.

Ansel Easton Adams nació en 1902 en San Francisco, California. Cerca de allí se encuentra el parque nacional de Yosemite, donde tomó la mayoría de sus fotografías más famosas. Muchas de sus fotografías son míticas y se han convertido en un símbolo de América. Gracias a ellas, muchos fotógrafos aficionados a la naturaleza han descubierto la belleza de Yosemite, haciéndolo un lugar de peregrinación y de culto.

El artista publicó varios libros, entre los que se encuentran su trilogía de manuales de instrucción sobre la técnica fotográfica. Hoy en día sigue siendo uno de los manuales más completos de fotografía, a pesar de haber sido escrito durante la época analógica, porque nos puede ayudar a avanzar como fotógrafos en busca de nuestro propio estilo.

La trilogía de manuales está formada por “La cámara”,  “El negativo” y “La copia”. Tres libros que tratan temáticas diferentes, pero que en su conjunto tratan de enseñarnos a conseguir copias de alta calidad.

Hoy en día sigue siendo un referente a la hora de enseñar y aprender fotografía. Aparte de sus fotografías, Ansel Adams nos dejó muchas frases que han pasado a la historia, entre las cuales podemos destacar las siguientes:

– Una buena fotografía no necesita ser explicada ni expresada con palabras.

– No hay reglas para las buenas fotografías, solamente hay buenas fotografías.

– La fotografía de paisajes es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema.

– Cuando estoy preparado para una fotografía, creo que hay algo en mi cabeza que literalmente no debería ser. Estoy interesado en algo que se construya desde dentro, en lugar de sacar desde el exterior.

– No hay nada peor que una imagen nítida de un mensaje difuso.

                Héctor Dager Blog

Lucian Freud es considerado uno de los máximos representantes de la corriente figurativa británica de la segunda mitad del siglo XX que ha dado en llamarse la Escuela de Londres. En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras. Hijo de un arquitecto y nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, Lucian Freud pasó su infancia en Berlín hasta que, tras la llegada de Hitler, su familia se vio obligada a emigrar a Inglaterra. Desde pequeño tuvo claro que quería ser artista. Estudió en la Dedham School of Arts and Crafts y posteriormente en el Goldsmith’s College de Londres. Su formación en el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le llevó a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre la enajenación del hombre contemporáneo. Desde los comienzos de su carrera como pintor, sus obras han tenido siempre como tema central la figura humana representada con una intensidad psicológica muy acusada. En la década de 1950, el estilo un tanto rígido de sus primeras obras dio paso a un lenguaje más suelto, de pincelada más gruesa, más informal. Esta evolución no supuso el inicio de un método de trabajo más rápido, ya que Freud siempre ha sido un pintor de ejecución lenta y meditada, que necesita alcanzar una relación de intimidad con las personas o los objetos representados. Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo crudo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido. En sus retratos no busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la esencia de su personalidad. Entre 1958 y 1968 expuso con asiduidad en la Marlborough Gallery y desde los años setenta se han celebrado numerosas muestras internacionales de su obra que le han convertido en una de las grandes figuras del arte actual. Sus padres fueron el arquitecto Ernst Ludwig Freud (1892–1970) y Lucie («Lux») Brasch (1896–1989). Era nieto de Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos, el escritor y parlamentario Klemens Raphael Freud (1924) y el editor Stephan Gabriel Freud (1921). Su sobrina, Emma Freud, es una prominente productora de radio británica. En 1933, cuando Lucian tenía solo 11 años de edad, el padre de Lucian, Ernst Freud, tuvo que emigrar con su familia a Londres, Reino Unido. La emigración ocurre motivada por la llegada de Hitler al poder. Ernst Freud fue luego quien organizó la recepción de los abuelos de Lucian, en 1938: Sigmund Freud y Martha Bernays quienes llegaron junto a su hija (tía de Lucian) Anna.5​ Lucian recibió la nacionalidad británica en 1939. Durante este período estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School. Lucian Freud fue un gran amigo del pintor expresionista figurativo Francis Bacon, desde 1959 y hasta su muerte 1992. Las obras de Lucian, particularmente los variados retratos de la madre, suelen describirse como las más importantes representantes de la escuela neofigurativa inglesa.6​ Durante un breve período estudió en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Escuela de Pintura y dibujo Cedric Morris's East Anglian, en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941, antes de serle invalidado su servicio en 1942. En 1943, El editor ceylanés Tambimuttu comisionó al joven artista para ilustrar un libro de poemas de Nicholas Moore, titulado The Glass Tower. En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en 1944, expuso su celebrado cuadro El cuarto del pintor (The painter's room). Para el verano de 1946, viajó a París antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces viviría y trabajaría en Londres. El 20 de julio de 2011, falleció "en paz" en su domicilio de Londres, según un comunicado de su abogada Diana Rawstron que recoge France Presse. En 1948 contrajo matrimonio por primera vez con Kathleen Garman Epstein, con quien tuvo dos hijas. Con frecuencia, Kathleen posó para él como modelo. Tras el divorcio de su primera esposa, se casó en 1953 con Caroline Blackwood, quien se divorció de él en 1959.8​ Con su pareja Bernardine Coverley, tuvo dos hijas. Esther Freud, quien es una conocida escritora, casada con el actor David Morrisey y Bella Freud, diseñadora de modas. Además, tuvo cinco hijos con Suzy Boyt y otros cuatro con Katherine Margaret McAdam. Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros. Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".10​ El uso de animales en sus composiciones está muy extendido y es a menudo característico que aparezcan las mascotas al lado de su propietario. Ejemplos de retratos de animales y personas en la obra de Freud incluyen Muchacho y Speck (1980-81), Eli y David (2005-06) y Doble retrato (1985-86).11​ Su pasión por los caballos le llevó a pintar los ejemplares de la escuela en Darlington, donde, además de montarlos, incluso dormía en los establos. De estos, cabe destacar los retratos de Grey Gelding (2003), La yegua Skewbald (2004), y Yegua comiendo heno (Mare Eating Hay) (2006).12​ Su cuadro A la manera, al estilo de Cézanne (After Cézanne) es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II del Reino Unido causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él. Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas cinco ejemplos en España: cuatro en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, (Reflejo con dos niños, autorretrato, Gran interior, Paddington, Último retrato y Retrato del barón H.H. Thyssen-Bornemisza). Existe otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer heredó su hija Francesca. En museos de Hispanoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México.

Dirección: Yolanda M. Guadarrama Curaduría: Lucitzel Pedrozo Lara, Nayeli Benhumea y Yolanda M. Guadarrama El festival presenta las proyecciones: Impresiones alteradas y desasosiego; Las indagaciones y lo otro.   Estas colecciones de obras de la selección oficial son las tendencias más relevantes de la curaduría de Movimiento en Movimiento, y serán acompañadas de performances en vivo por medio de videollamadas en línea, así como de entrevistas a algunos de los autores presentes. En sincronía con las proyecciones, se suma la exhibición de las Diagonales 1 y 3 de la Muestra Merce Cunningham Centennial en formato de galería y en exhibición continua (loop).   Movimiento en Movimiento celebra, difunde, colecciona y promueva la producción de piezas audiovisuales que articulan un sentido estético a partir del movimiento, con o sin presencia corporal: danza para la pantalla, cinedanza, videodanza, performances videograbados, videoarte y cine experimental. Las obras reunidas revelan un sentido humanista en relación a la literatura, filosofía y sociedad, para generar reflexiones sobre los límites y cruces propios en la interdisciplina y transdisciplina audiovisual.   Su propósito es reunir una serie de obras excepcionales para difundir el género danza para la pantalla (en ocasiones referido como videodanza o screendance), buscando posibilidades entre la narrativa, los significados profundos, la danza y los medios audiovisuales, haciendo énfasis en la relación que ésta guarda con el cine, el movimiento y  la coreografía –tanto de bailarines como de imágenes y objetos–. La selección de obras no muestra únicamente la belleza dancística o visual, más bien busca llevar al espectador al momento en que las imágenes “generaban sorpresa” y “significaban algo”, intentando escapar de la época actual de confusión en la que se manifiesta un excesivo uso de la imagen.   Movimiento en Movimiento ha coleccionado una gran diversidad de estilos a través de sus ediciones, así como en su galería permanente en la web; se trata de un conjunto de obras heterogéneas cuyo hilo conductor es el sentido claro, profundo y sólido que se manifiesta en el proceso de creación de cada obra. Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival: Las indagaciones y lo otro. Piezas experimentales que dan cuenta de situaciones absurdas en el estado de cosas que vivimos, la depredación en el mundo digital y en el real, y animaciones en sintonía con la danza. 25 de octubre de 2019, 18:00 h Entrada libre

Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival: Impresiones alteradas y desasosiego. Danza al estilo de la novela 1984, de George Orwell, misiles invadiendo la tierra “felizmente”, guerras de juguete para hombres de juguete e influencias de la literatura eslava en la danza para la pantalla. 26 de octubre, 17:00 h Entrada libre  

  Muestra Merce Cunningham Centennial. Lo elemental, lo impredecible, lo inesperado. Diagonal 1. Videodanzar la mirada: el coreógrafo tras la cámara. Diagonal 3. Screendance event: extraer, ensamblar e interpretar aleatoriamente. Se trata de secuencias en exhibición continua (loop), de exploraciones cámara-cuerpo-tiempo y de distintos fragmentos extraídos de obras del repertorio de Merce Cunningham (destacado coreógrafo en la historia de la danza y figura clave en la videodanza) ensambladas e interpretadas en un orden y una distribución aleatoria. Cada “evento” es único y concebido para ser adaptado en el espacio donde se presenta. Este proceso de exploración y de creación revela la percepción del espacio arquitectónico en resonancia, oposición, abstracción y desplazamiento. 25 y 26 de octubre, 11:30 a 19:00 h Entrada libre  

    Yolanda M. Guadarrama. Cuenta con una amplia trayectoria en el ámbito de la danza para la pantalla, su primera pieza en este género la realizó en 1994. Ha sido jurado de Screendance en el Festival LIFF, realizado en Inglaterra. Está dedicada a la creación y difusión de este género artístico, escribe textos, imparte cursos y coordina proyectos. Desde hace cuatro años realiza la curaduría de Festival RIFF (RED International Film Festival) en Noruega, dedicado a danza-arte-cinema. Este festival fue fundado por Ella Fiskum y Yolanda M. Guadarrama. Sus obras han sido exhibidas en varios festivales internacionales en Europa y Sudamérica, su obra Comedores de Patatas obtuvo el premio al mejor corto experimental en Eurasia International Festival, Moscú, Junio, 2018. Como proyecto alternativo, ha sido coeditora y cofundadora de Revista y Editorial MOHO desde 1989. Más información en: https://www.yolandamguadarrama.com/   Nayeli Benhumea (Ciudad de México, 1983). Realizadora mexicana de videoarte, videodanza y documentales. Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica, con especialidad en Creación Dancística por parte de la Universidad Autónoma Metropolitana. Varias de sus creaciones han sido presentadas en festivales internacionales de videodanza. Cursó el Taller de escritura de videodanza, con Douglas Rosengerg. Cuenta con la Maestría en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México, especialista en la escritura sobre videodanza. Es profesora de Videoarte y de Investigación de Proyectos Artísticos en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México. Es coautora, junto con Hayde Lachino, del libro Videodanza. De la escena a la pantalla.   Lucitzel Pedrozo. (Ciudad de México, 1983). Videoasta, productora, investigadora, iconógrafa y editora. Maestra en Artes Visuales por la UNAM. Como realizadora desarrolló series, cápsulas y documentales en Tv Unam (2007- 2013). Como videoasta ha indagado en la experimentación de las posibilidades estéticas del lenguaje del video en la danza, a través de la videodanza (Ankoku Butoh, 2011; Espejo Negro, 2014; Insectos, 2016) y su expansión a diferentes disciplinas como la animación (Hoso Tan, Ad Astra, [Cátedra Arte y Enfermedad de la Universidad Politécnica de Valencia, 2015]), y la videoinstalación (MA. Videodanza Expandida, 2017). Es colaboradora y curadora del Festival Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento y el Festival Internacional de Cine Poesía Fotogenia. Actualmente es becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA (2018-2019) con la videoinstalación: Deconstrucción del Gesto.          

El Museo Universitario del Chopo, en colaboración con El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, inaugura Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical, la primera exposición en España y México que revisa la historia de la performance afroamericana, y la primera a nivel internacional sobre la historia del voguing. Curada por Sabel Gavaldón y Manuel Segade, la muestra toma el voguing, baile popular afrolatino y queer, como un caso de estudio para entender la emergencia de la pose como forma de resistencia y su capacidad para articular nuevas formaciones sociales.   Elements of Vogue investiga cómo las minorías utilizan sus cuerpos para crear formas disidentes de belleza, subjetividad y deseo. El voguing es una forma de danza underground inspirada por las poses de las revistas de moda, inventada por cuerpos que han sido criminalizados, racializados, medicalizados y castigados una y otra vez.  

A partir del 15 de noviembre de 2019, 19:00 h

    Artistas participantes: Charles Atlas, Joan Jett-Blakk, David Bronstein, Ernest C. Whithers, Willie Cole, Emory Douglas, Gerard H. Gaskin, Victor Green, Lyle Ashton Harris, Benji Hart, Arthur Jafa, Marsha P. Johnson, Bam Bam Khan, D’relle Khan, Crystal LaBeija, Zoe Leonard, Kalup Linzy, L.O.V.E. Lesbians Organized for Video Experience, Dorothy Low, Paul Maheke, Rashaad Newsome, Lorraine O’Grady, Paper Tiger Television, Adrian Piper, Carl Pope Jr., Pope. L, Jay Jay Revlon, Marlon T. Riggs, Sylvia Rivera, Stephen Shames, Frank Simon, Bruce W. Talamon, Wu Tsang, James Van Der Zee, Jack Walworth, Andy Warhol, Zapanteras.     Actividades paralelas Junto con la exposición se desplegará un programa público diseñado por la doctora Siobhan Guerrero y el voguer Bryan Cárdenas Aka  Zebra, madre de la House of Drag  que incluye performances de voguing, talleres, conversatorios y actividades educativas en torno a Elements of Vogue. Este programa está diseñado para tomar impulso a lo largo de los primeros meses del 2020, hasta la celebración de un ball de clausura el 7 de marzo de 2020. Purple Mini Ball Floor manager: Annia Ninja MC: Franka Polari La Beija y Zebra DJ: Bruja Prieta. Jueces: Cris D, Any Macho, Chula Zapata, Furia Labeija e Isha 007 Categorías: OTA Vogue Fem OTA Runway Old Way Sex Siren Virgin Vogue Fem.   Registro previo en: bit.ly/PURPLEMINIBALL

15 de noviembre 2019 20:00 h

     
Gerard H. Gaskin, New York Awards Ball , Harlem, N.Y, 2005 Gerard H. Gaskin, New York Awards Ball , Harlem, N.Y, 2005
Exposición coproducida por el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y el MUCH Museo Universitario del Chopo  

El artista mexicano Mauricio Limón presenta Dientes rotos, exposición integrada por una pieza en video a dos pantallas en la que explora la similitud entre el box y el baile, prácticas cuyo eje es el cuerpo en movimiento. Durante un año y medio el artista trabajó con un grupo de aficionados al baile  y un amante del boxeo que imparten clases a interesados en la Alameda de Santa María la Ribera. El propósito fue documentar ambas actividades y generar experiencias de intercambio con diversas comunidades del barrio.   Con la idea de hacer coincidir dinámicas intersectas, Mauricio Limón pone en diálogo la presencia del cuerpo en los movimientos del boxeo con lenguajes corporales propios del baile.   Dientes rotos es una pieza comisionada que el artista realizó en colaboración con In/Site Casa Gallina, proyecto cultural transdisciplinario con sede en este barrio, su programa estuvo enfocado en temas y acciones sobre cultura, comunidad y medio ambiente.   Limón trabajó con cuatro integrantes del colectivo Los forasteros de la salsa (Heberto, El papasEl rapa y El trompas), quienes se reúnen en las tardes para practicar salsa y guaguancó. De igual manera lo hizo con El tierno, quien aprendió box en la cárcel para defenderse y actualmente imparte clases todas las mañanas en el kiosco  morisco; Hannia, por su parte, fue un puente entre ambas disciplinas, al participar en los grupos de box y baile fue una figura de seducción “fantasmagórica” que se desenvolvió entre dos entornos masculinos.   El artista considera que el box y la salsa –además de ser dos prácticas comunes en la sociedad mexicana– tienen una relación natural y orgánica. Ambas se refieren a lo físico, el entrenamiento, la concentración, el ritmo y la cadencia. Parecen ser contrarias, pero en realidad se entrecruzan descubriendo sus cercanías y puntos de contacto.   En palabras del escritor Luigi Amara, con Dientes rotos “…asistimos a lo que en el fondo quizás ya sabíamos de sobra: el box es esencialmente una forma de bailoteo, una coreografía abierta a la improvisación; mientras que todo baile, en sus avances y retrocesos, en sus acercamientos y retiradas, parece la sublimación de una botella cuerpo a cuerpo…”   Dientes rotos refleja el trabajo de colaboración entre Mauricio Limón y la comunidad que se reúne en el espacio público de Santa María la Ribera. Para el artista fue una experiencia importante de cercanía y amistad con el otro, conoció historias de vida difíciles y entornos sociales desconocidos, esa  sensibilización le permitió entender y respetar una realidad distinta.   “Santa María la Ribera es un barrio abundante en actividades, tiene una vida pública muy particular, cuando recorro sus calles en diferentes días y horarios siempre encuentro lugares novedosos que me sorprenden, es un lugar para hacer comunidad”, considera el artista.   La pista sonora de Dientes rotos incluye un cover del tema Silencio, de Celia Cruz, así como sonidos ambientales de diversos gimnasios. Cuenta con una duración de 15 minutos y 50 segundos, fue terminado en 2015.   La obra de Mauricio Limón se desarrolla en diversas disciplinas como video, instalación, dibujo, pintura y performance. A través de estos medios aborda temáticas relacionadas con el dominio público, la economía informal y la concepción del cuerpo respecto a su inscripción social.  

Hasta 8 de diciembre Galería Arnold Belkin

  Pieza comisionada y producida por inSite/Casa Gallina, México. Curaduría: Osvaldo Sánchez y Josefa Ortega Coordinación de producción: Sergio Olivares Iluminación: Diego García Fotografía: Diego García, Marco Casado Edición: Mauricio Limón Grabación de sonido en vivo: Axel Muñoz Diseño Sonoro: Félix Blume, Mauricio Limón Fotografía fija: Fernando Etulain Corrección de color: Lisa Tillinger Banda musical: Pascualex Contreras M. Asistencia de producción: Mariano Arribas Asistencia de vestuario: Ilián Castañeda y Nancy Brown Coparticipantes: Hannia Fernanda Colín Melo, Oscar Jesús Ocaña García, FORASTEROS DE LA SALSA: Heberto García Novelo, José Montolla García, Angel Alejandro Pérez Oramas y Rafael Zúñiga Rivera. Agradecimientos especiales para: Luis Mdáhuar     Mauricio Limón de León (Ciudad de México, 1979). Estudio artes visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. La influencia de prácticas curatoriales, pictóricas, producción cinematográfica, becas y residencias dentro y fuera de México han marcado su trayectoria. Realizó una residencia en Rijksakademie van beeldende kunsten, Ámsterdam (2016-2017), donde desarrolló un cuerpo de obra con base en teorías sobre poder y sexualidad. En su obra destacan los siguientes videos: Buscando la sombra del árbol y Mecánica pulso y ritmo de una escultura social, producido para Future Generation Art Prize, premio al que fue nominado en 2014, año en el que también fue seleccionado para participar en la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo.   Recibió la beca Jóvenes Creadores 2011, con la cual realizó la parte final del proyecto !Con todo el respecto que usted me merece! Recibió una beca de Pollock-Krasner Foundation / Annual Grant, en 2010. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa en diversos recintos: Museo de Arte Carrillo Gil, 2019; Ellen de Bruijne Projects, Ámsterdam, 2018; Rozenstraat – a rose is a rose is a rose, Ámsterdam, 2017; Galería Hilario Galguera, Ciudad de México (2008, 2014 y 2017); Pinchuk Art Center, Kiev, 2014; Museo Tamayo Arte Contemporáneo, 2014; Museo de Arte Carrillo Gil, 2014; KunstMuseum Bonn, Héctor Dager Gaspard, Bonn, 2013; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, (MARCO) 2013; Y-Gallery, Nueva York, 2013; Museo Universitario del Chopo, 2013; Museum of Fine Arts, Boston, 2011; Laroche/Joncas Gallery, Montreal, 2011; San Francisco Art Institute, 2010; Centro de Arte Dos de Mayo, (CA2M) Madrid, 2010; Museo de Arte Modern (MAM), 2009; y Museo de Arte Reina Sofía, Madrid, 2005.   Su trabajo es parte de diversas colecciones: Fundación-Colección Cisneros; Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC); Graeme W Briggs, LARA/Asiaciti Trust; María Paz Gaviria Collection; Colección Gilberto Borja; Catalina Casas-Galería Casas Riegner; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO; y Museo de Arte Moderno (MAM).

Sfumato” es la técnica renacentista atribuida a Leonardo Da Vinci, consistente en difuminar los contornos del dibujo superponiendo capas muy finas de pintura mediante las cuales se acaba ocultando la pincelada. Con su “Sfumato”, Rui Macedo despliega 33 pinturas al óleo sobre lienzo creadas específicamente para esta exposición generando un juego de fricciones entre lo real y lo ilusorio.   A través de sus obras, Macedo hace emerger aspectos y detalles que antes no estaban visibles. Una característica constante en su trabajo, que permanentemente enfrenta contrarios: lo físico con lo espiritual, lo natural con lo artificial y el original frente a la copia. A través de esta exposición, organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Cultura y Deporte, Macedo despliega ante nuestros ojos distintas capas de representación. Niveles que generan sensaciones meramente ilusorias en una primera aproximación, mientras que una mirada posterior más atenta, permite sacar a la luz todo el discurso poético que esas imágenes encierran.   A través de estas obras, Macedo evoca las sombras del tiempo que transcurrido por estas paredes de aspecto decadente que se convierten aquí en escenario único de su obra. Las pinturas que nos muestra dispersas por los baños que un día utilizaron los trabajadores de Tabacalera, van asomando a nuestros ojos de manera sutil. Al entrar en el espacio el ojo casi no repara en ellas, es sólo después cuando empiezan a llamar nuestra atención a través de fragmentos que parecen revelar la historia que guardan estos muros. Sus obras resultan piezas perfectamente integradas en un lugar que parece llamado a su desaparición. En esta exposición, creada para este espacio de Tabacalera, Rui Macedo genera una serie de trampantojos que hacen que la realidad irrumpa de la mano de la incertidumbre. El trabajo de Rui Macedo se desarrolla habitualmente entre la pintura y la instalación y juega con el objeto encontrado. Su visión artística pasa por introducir anomalías en los museos, tratando de provocar siempre la mirada desde lugares a los que no estamos tan acostumbrados. En palabras del crítico de arte Fernando Castro Flores: “La estética de Rui Macedo es, sin ningún género de dudas, una meditación sobre el bastidor del arte” Fechas: Hasta el 10 de noviembre de 2019 Lugar: Tabacalera, Madrid

Esta unidad está centrada en los vínculos afectivos que niños y niñas tienen con las personas, lugares y objetos de su mundo cotidiano, y busca que se conecten con aquello que es importante para su vida, valoren su entorno y acepten la diversidad de miradas como algo que los enriquece mediante el conocimiento de los elementos básicos de la composición fotográfica y de la noción de patrimonio cultural. Para desarrollar los contenidos de esta unidad nos valemos esencialmente del lenguaje fotográfico, herramienta propia de la asignatura de Artes Visuales. Sin embargo, al tratarse de un tema transversal, proponemos complementar y profundizar esta mirada con el apoyo de las nuevas tecnologías, conocimiento que es tratado en la asignatura de Tecnología. Este planteamiento facilitará el desarrollo de una mirada integrada y diversa del tema, logrando que niñas y niños aprendan en un contexto significativo y permitiendo, además, trabajar desde las diversas necesidades de nuestros(as) estudiantes. Así, por ejemplo, un(a) niño(a) con dificultades de visión, que no es capaz de observar o componer imágenes visuales, podrá observar y describir el mundo al que refieren esas imágenes desde el lenguaje verbal y con herramientas tecnológicas diferentes de una cámara fotográfica. La propuesta de trabajo contempla objetivos de aprendizaje transversales (OAT) relevantes para las dos asignaturas, así como los objetivos de aprendizaje (OA) de Artes Visuales y Tecnología para 4.º Básico, detallados en los cuadros resumen a continuación, para evidenciar los contenidos que serán efectivamente desarrollados en la Unidad 1, los objetivos de cada clase y las actividades esenciales que se pueden realizar en ellas para cumplir con dichos objetivos. Para la asignatura de Artes Visuales, la Unidad 1 está pensada para ser desarrollada en tres clases de dos horas pedagógicas cada una (aproximadamente tres semanas de clases), considerando el número mínimo de horas exigido en los planes de estudio para el nivel (76 horas anuales). En el caso de Tecnología, aunque tiene una carga horaria menor (38 horas anuales), para cumplir adecuadamente con los objetivos de aprendizaje, también se propone que la unidad sea desarrollada en tres clases de dos horas pedagógicas cada una (aproximadamente tres semanas de clases). Los objetivos y actividades sugeridos para esta asignatura permiten complementar y profundizar el trabajo que se realiza en las clases de Artes Visuales, por lo que en las actividades señaladas en los cuadros resumen de ambas materias se especifica de manera explícita la conexión que existe entre ellas. Luego de los cuadros resumen de las dos asignaturas, las clases propuestas para la asignatura de Artes Visuales (Fotografía) son desarrolladas en profundidad, dado que el presente material se centra en esta área artística. Esta estructura y metodología servirán como modelo para desarrollar las clases de Tecnología.

“Cada vez que hago algo, cambio; estoy en evolución perpetua”, así se refería a su obra el artista mexicano Gilberto Aceves Navarro, fallecido la noche del domingo a los 88 años.

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) informó a través de su cuenta de Twitter del deceso de Aceves Navarro, “cuyo legado es imprescindible en el arte contemporáneo del país”.

Aceves Navarro, nacido el 24 de septiembre de 1931 en la Ciudad de México, se ausentó varios años de la escena artística por problemas de salud. El pasado julio reconoció en una entrevista con el periódico La Jornada: “Casi no veo, eso ha modificado mucho mi quehacer”.

Sin embargo, ese mismo mesabrió la exposición Hoy, Gilberto Aceves Navarro en el Museo de la Ciudad de México, con parte de su producción más reciente y que fue montada gracias al trabajo de la fundación que lleva su nombre, cuyo objetivo fomentar la educación artística en el país.

Precisamente la educación fue una de las actividades a las que dedicó gran esfuerzo, pues fue un docente muy recordado en la antigua Escuela Nacional de Artes Plásticas (hoy Facultad de Artes Plásticas) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde dio clases de 1971 a 2012.

Nunca se definió como un profesor “común”, pues trataba de plantear nuevos métidos a sus estudiantes, como él mismo lo explicó en otra entrevista con La Jornada, en abril de 2018.

Su método, al que llamaba “Cambiamos, por favor”, lo plasmó en un libro y se basaba, entre otras cosas, en el tacto.

Este mes, Guayaquil será la segunda ciudad de Ecuador en recibir la exposición titulada Las historia que importan, que incluye las 140 historias destacadas en fotografía del 62º concurso anual del World Press Photo. Desde 1955, el World Press Photo Contest ha reconocido a los fotógrafos profesionales por las mejores imágenes que contribuyeron al último año del periodismo visual. Su propósito es  conectar el mundo mediante el periodismo y la narración de historias. Los ganadores fueron elegidos por un jurado independiente que revisó más de 78.801 fotografías ingresadas por 4.738 fotógrafos de 129 países. Como parte de su gira mundial, las fotografías se exhibieron en la capital ecuatoriana en septiembre de este año. Una vez concluido su paso por Guayaquil, continuará hacia Cuenca, Loja y, finalmente, Manta. Fotos llenas de fuerza El 3 de diciembre de 1955, la primera exposición anual World Press Photo 55 abrió sus puertas. Convencidos del poder de mostrar y la importancia de ver historias visuales de alta calidad, desde entonces han organizado cerca de 3.000 exhibiciones y más de 130 eventos de educación y divulgación en 522 ciudades de 122 países. La exposición se estrena cada año en Ámsterdam en abril, antes de comenzar su gira mundial por 100 ciudades y 45 países. “Mostramos historias que hacen que las personas se detengan, sientan, piensen y actúen”, subraya su página oficial. El Presley Norton mostró su interés en acoger la muestra y calificó. “Nuestro equipo humano, guías y museógrafos están preparados para recibir la muestra y adicionalmente, hemos preparado una agenda de actividades en el marco de la exhibición, con el  frente de fotógrafos de nuestra ciudad”, comenta Guisella Moreno, responsable del museo Presley Norton, sede de la EOD MAAC Nuclear. “La fotografía es una expresión artística de siempre. Hoy, un arte con mayor  presencia, y los museos debemos fortalecerla, además de crear públicos y audiencias”. Otras actividades Frente Fotográfico, un colectivo comprometido  con la creación, promoción y difusión de la fotografía en la ciudad, alista algunas actividades. Viernes 18, 19:00: Diálogo ‘Fotodocumentalismo y derechos humanos en Guayaquil: presentación de casos’, con la intervención de Billy Navarrete, Andrés Loor, Paulina Vallejo, Priscila Aguirre.  Domingo 20, 10:00:  Caminata fotera (reunión en el Museo Presley Norton).  Miércoles 23 y jueves 24, 19:00:  Charla+taller ‘La experiencia colectiva en la creación fotográfica’, a cargo de Colectivo FluxusFoto. La asistencia es gratuita.

En el lenguaje audiovisual, el plano es la perspectiva física visual de los personajes, objetos y elementos de la(s) imagen(es) tal como los capta el observador desde un lugar determinado, abarcando el cuadro total (de encuadre), o cada corte a lo largo de la profundidad implícita en la imagen. Mientras el punto de vista se mantenga fijo en un lugar y no varíe la distancia desde la que se contemplan los objetos en el cuadro, ni cambien estos, se habla de(l) (los) mismo(s) plano(s).
Nos hallamos ante una terminología con origen en la pintura con ampliación posterior en la cinematografía, y en menor medida en otras artes (fotografía, historieta e ilustración,...). Su uso es común en las distintas artes visuales, pero muchas veces con distintos enfoques.

Valor del plano

  • Plano panorámico, general extremo o gran plano general: muestra un gran escenario. El o los personajes no aparecen o quedan diluidos en el entorno. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre en comparación con el entorno.
  • Plano bajo: muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 de la cámara. Tiene un valor descriptivo de personas o un ambiente determinado de valor descriptivo, narrativo o dramático.
  • Plano entero: cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies.
  • Plano americano: El Plano americano, o también denominado 3/4, o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es óptimo en el caso de encuadrar a dos o tres personas que están interactuando. Recibe el nombre de "americano" debido a que este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.
  • Plano medio: Presenta la figura humana cortada por la cintura. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
  • Plano medio corto: muestra la figura humana (busto) desde el pecho hasta la cabeza.
  • Primer plano (big close up): va desde las clavículas hacia arriba.
  • Primerísimo plano (close up): muestra desde la barbilla hasta la frente, es un primer plano muy cerrado.
  • Plano detalle: se centra en un objeto (un bolígrafo, un despertador, etc.)
  • Plano de situaciónpuede ser de lugar o temporal y se utiliza para localizar la acción tanto temporal como espacialmente.

Ángulo visual

El ángulo que la cámara o pintor tenga con respecto al tema u objeto(s) de interés, alterará tanto el carácter como los planos de cada toma.
  • Normal o neutro: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura media.
  • Picado: es una angulación oblicua superior, es decir, por encima de la altura de los ojos o la altura media del objeto y está orientada ligeramente hacia el suelo. Normalmente, el picado representa un personaje psíquicamente débil, dominado o inferior.
  • Contrapicado: opuesto al picado. Suele representar un personaje psíquicamente fuerte, dominante o superior.
  • Nadir: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.
  • Cenital: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.
  • Plano holandés o aberrante : Cuando la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Esto demuestra inestabilidad.
  • Subjetiva. La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, es decir, toma por un momento la visión en primera persona del personaje.
  • Semisubjetiva. La cámara nos muestra parte del personaje (Generalmente desde detrás de este) además de lo que está viendo.
  • Lateral. La cámara se encuentra a 90º grados mostrando una vista "de lado", muchas veces utilizado como plano subjetivo.

Altura

  • Normal: La cámara se sitúa a una distancia del suelo equivalente a la de la vista. Entre 1,50 y 1,80 metros.
  • Alta: se sitúa a una distancia mayor a 1,80 metros, si la distancia del suelo es muy alta, se habla de una cámara aérea.
  • Baja: se sitúa a una distancia menor a 1,00 metro.

Los planos en las distintas artes

El plano cinematográfico

El plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña pero significativa del hecho audiovisual. Es la parte de una película rodada en una única toma. Es una vista desde la cámara de cine.

El plano historietístico

Los cambios de plano, ángulo y encuadre son muy importantes para dotar de mayor interés a la narración. Como indica José María Parramón Vilasaló:
"Cuando nos acercamos a un sujeto ilustramos algo que dicho sujeto es o está haciendo. Cuando nos alejamos de él, ilustramos lo que es y lo que está haciendo en términos más generales, relacionándolo con la escena y el argumento de la historieta".
Argumentan que el plano general solo ubica al personaje en el medio, pero los grandes narradores saben aprovechar el espacio en el que se mueven los personajes. El escenario hay que respetarlo como se respeta a los personajes, puede que incluso más, ya que es el que interactúa con todos ellos. Un escenario aterrador, influirá en los personajes de manera clara y actuarán de manera muy diferente en uno tranquilo.

El plano en la pintura

En la pintura principalmente, pero también en el resto de las artes visuales (no se considera por ejemplo la escultura como arte visual), se le llama plano a cada corte a lo largo de la profundidad simulada o inferida en el cuadro. Entonces se tiene un primer plano, para las cosas que se encuentran plasmadas más cerca del pintor o autor. El plano medio, con los objetos a media distancia. Y el plano de fondo u objetos que se encuentran detrás del objeto de interés. Generalmente el plano más importante es el plano medio, donde se colocan los objetos de interés más o menos centrados, y el resto de los objetos alrededor en primer plano o en el fondo enmarcando o dirigiendo la atención del espectador al tema de la pintura y/u objeto(s) principal(es).
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Los elementos más básicos de la fotografía son la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar, la luz existente y cómo no, el fotógrafo.
Resumiendo podemos decir que la fotografía consiste en que un fotógrafo capta una escena que tiene una luz determinada utilizando una cámara.
Aunque pueda parecer muy obvio, conocer los elementos de la fotografía es muy importante porque así conocemos qué elementos pueden influir el resultado final de una toma. A lo largo del curso se explicarán los conceptos más simples que nos ayudarán a manejar estos elementos. Sabremos qué tendrá que hacer el fotógrafo para controlar la cámara, la luz y porqué no, también al sujeto (siempre que le sea posible, claro). Si uno de estos elementos falla o no existe no habrá fotografía.   Cada elemento que aparece en una imagen tiene un significado. Por tanto, todo lo que seleccionamos (o no seleccionamos) y cómo lo organizamos influirá en el resultado de la fotografía. Tomar una foto significativa, implica necesariamente una intencionalidad por parte del(la) fotógrafo(a). Es necesario observar con atención, sentirse parte de lo que se fotografía y tomar decisiones: agacharse, mirar, pararse, cambiar los ángulos, captar las luces. La fotografía tiene una vocación reflexiva, pero también requiere de espontaneidad e intuición: en el momento de fotografiar, el(la) fotógrafo(a) debe sentir y dejarse llevar.

Funcionamiento de la cámara

Control Descripción
Enfoque El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la cámara tratará de enfocar.
Apertura El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el número f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número f es lo que da el diámetro efectivo de la apertura.
Velocidad de obturación El ajuste del lapso durante el cual el captor o la película es expuesto a la luz en cada toma. Las velocidades de disparo rápidas, o sea los tiempos de exposición cortos, decrementan tanto la cantidad de luz como la posibilidad de trepidación, debida al pulso, cuando se usa la cámara sin trípode.
Balance de blancos En equipos digitales, la compensación electrónica de la temperatura de color asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color. Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener temperaturas de color más cálidas.
Medición Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas como las sombras estén expuestas según las intenciones del fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo medidor de luz llamado exposímetro o mediante el conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la película o ISO del captor a la luz.
Escala de sensibilidad fotográfica ASA/DIN/ISO del captor. Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA/DIN de la película utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que con un número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'.

Son tres los mecanismos principales que regulan el paso de la luz al sensor fotográfico de una cámara. En primer lugar, el diafragma, que es un sistema de laminillas ubicado dentro del objetivo (estructura que lleva los lentes ópticos en su interior) y que regula la cantidad de luz que entra de acuerdo a las variaciones de su abertura, las que se indican con el símbolo f y representan valores de luminosidad. Luego, el obturador, que está ubicado en el cuerpo de la cámara y controla el tiempo de llegada de esa luz al sensor; este fenómeno se conoce como velocidad de obturación (es decir, el tiempo durante el cual el obturador está abierto) y condiciona el tiempo de exposición del sensor a luz.
Y por último, la escala de sensibilidad, que es la cantidad de luz que necesita el sensor para captar una foto, es decir, la «sensibilidad a la absorción de la luz».
Al programar una cámara en modo automático, esta entregará una solución estándar para la exposición fotográfica, pero en su modo mecánico es posible explorar otras posibilidades y decidir el efecto deseado. En el siguiente cuadro resumimos los principios básicos para comenzar a explorar los tres factores mencionados, que están interrelacionados matemáticamente. De ellos dependerá una correcta exposición: un exceso de luz genera sobrexposiciones (fotografías demasiado claras), mientras que la falta de luz, genera subexposiciones (fotografías demasiado oscuras).
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